b) Pablo Picasso
c) Obras
de Picasso
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Tuvo
su origen en las Señoritas de Avignon-1907
de Picasso y en las Casas de L’Estaque-1908
de Braque[1],
siendo ambos reconocidos como sus padres
fundadores, tanto para el mundo de los artistas como para las
Academias de Bellas Artes.
Lanzó
su 1ª exposición en el Salón de los Independientes-1911, y en
1912 recibe definitivamente el nombre de pintura cubista por parte de Apollinaire, como
adjetivo despectivo que descalificaba las extrañas formas cúbicas dadas a las
casas humanas.
De
1907 a 1909 se desarrolla la pintura cubista
temprana, donde los dos co-fundadores y amigos deciden analizar lo
que han pintado[2],
reflexionar sobre los puntos en común[3],
romper oficialmente con la pintura precedente[4]
y recurrir a[5]:
-unas
temáticas, en torno a personas u objetos,
-unas
formas, que no querían perder,
-unos
puntos de vista, no únicos sino múltiples,
-la
planitud, sin salirse de la bi-dimensionalidad[6].
De 1909 a 1912 se desarrolla la pintura
cubista
analítica, por medio de entusiastas seguidores que se ponen a
debatir en torno a cómo exponer el cubismo[7],
así como defender:
-temáticas
neutras, como bodegones, retratos…
-personajes
que muestren lo único que se sabe de ellos,
-figuras
fragmentadas, y sugeridas mediante mínimas pistas[8],
-objetos
reducidos, fragmentados y abstractos,
-colores
restringidos, tendentes a la monocromía[9],
-planitud,
a forma de una red superficial de intersección de líneas,
-distintos
puntos de vista, entre zonas del cuadro y partes del propio objeto,
-ruptura
de la profundidad, con espacios echados hacia atrás, arriba, adelante…
Es el momento en que se intenta dar plasticidad a la pintura cubista, pero sin
negar la bi-dimensionalidad del plano. Lo cual se consigue al fragmentar por
igual cada cuerpo[10]:
-no
imitando la realidad,
-sí
representando la verdadera realidad[11].
De
1912 a 1914 se desarrolla la pintura cubista
sintética, en un intento por impersonalizar las obras. Es el momento
en que se introducen al cuadro letras, números, recortes de periódico[12]…
Pues ya no se trata de fragmentar objetos, sino de reconstruir elementos
fragmentados, para hacer reconocible una imagen distinta[13].
Pintor español, Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) fue uno de los fundadores
del Cubismo, junto a Georges Braque y en menor medida Juan Gris.
Hijo de comunistas y comunista
hasta su muerte, Picasso participó en todo tipo de movimientos culturales de su
época, abordando los géneros del diseño, escultura, cerámica y grabado.
Compuso más de 2.000 obras de arte, que hoy están repartidas por todo el mundo, y que le convirtieron en el mayor artista mundial del s. XX.
c) Obras de Picasso
Destaca su Señoritas de Avignon-1907, hoy en el Museo de Arte Moderno de New York[14], donde se muestra:
-temática
contemporánea[15]
y exhibicionista,
-personajes
irreales[16]
y con mascaras[17],
-fragmentación
total[18],
-ausencia
de jerarquía, proporciones[19]
y disposición espacial,
-planitud,
-varios
puntos de vista,
-variaciones
en las luces-sombras[20],
-inspiración
primitiva[21].
Destaca su Depósito de agua de Horta del Ebro-1909,
hoy en una Colección particular, donde se muestra:
-figuras
irreconocibles[22],
-colores
ocres, y el negro para dar volumen,
-distintos
puntos de fuga[23],
-abstracción
casi total.
Destaca su Ambroise Vollard-1910, hoy en el
Museo Pushkin de Moscú, donde se
muestra:
-personajes
des-figurados y des-dibujados,
-confusión
de fondo-figuras,
-arbitrariedad
de puntos de vista[24],
-luz
y volumen, pero sin romper la planitud.
Destaca
su Naturaleza
muerta con Silla de rejilla-1912, hoy en una Colección particular,
donde se muestra:
-figuras
abstractas y ensambladas,
-pegada
de elementos fragmentados[25],
-planitud
y materialidad, paradójicamente juntas,
-ruptura de la formalidad clásica.
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
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[1]
De hecho, el cuadro de BRAQUE fue el que dio origen al término cubismo, por
unos comentarios que hizo HENRI MATISSE sobre él en la exposición del Salón
de Otoño-1908, a la hora de hablar de “los pequeños cubos” con que el
francés pintó sus casas.
[2]
Viviendo en común hasta 1914.
[3]
A forma de:
-dos
escaladores que se han encordado juntos, como decía GEORGES BRAQUE,
-un
matrimonio artístico, como decía PABLO RUIZ PICASSO.
[4]
Sobre todo con un Impresionismo que buscaba la fugacidad, mientras
que el cubismo buscaba lo único permanente (salvo la excepción de CEZANNE,
que fue el que hizo de puente para los cubistas).
Y es que el cubismo optó por los descubrimientos de una nueva
ciencia de EINSTEIN que dejaba anticuados todos los planteamientos
anteriores, y que empezaba a analizar una 4ª dimensión: el tiempo. Así,
tratan PICASSO y BRAQUE de introducir en la historia del arte un nuevo
concepto: el tiempo.
En este sentido, tan sólo la filosofía de HENRI BERGSON fue
aceptada por PICASSO y BRAQUE, por su:
-concepto
de perdurabilidad, a pesar del fluir cambiante de objetos,
-emergencia
del pasado en el presente, y del futuro en el presente.
[5]
Lo que hace difícil distinguir el arte de ambos. Pues ambos se inspiran en
el arte africano, se distancian respecto al objeto… Eso sí, se puede
decir que como diferencia:
-BRAQUE
se preocupa más de la masa y los cuerpos,
-PICASSO
se preocupa más de la bi-dimensionalidad.
[6]
Pues el Renacimiento había quitado esta cualidad a la pintura, y ahora el
Cubismo quería reclamarlo alto y claro: el carácter plano de la pintura.
[7]
Pues unos y otros se dividen entre exponer:
-en
el Salón de los Independientes, a pesar de recibir todas las críticas
parisinas,
-en
galerías extranjeras, como ruptura definitiva con el Arte precedente.
[8]
Para que el espectador las recomponga. Pistas que deben ser mínimas,
no relatar nada, y ser el único punto donde no haya abstracción en el
cuadro.
[9]
Para evitar el carácter emocional y descriptivo del color, y resaltar
solamente su composición formal.
[10]
Técnica del facetado, o presentar el espacio por facetas-parcelas. La cual
llevó al cubismo a organizar la composición mediante una red de líneas y
figuras tal… que descompusiera la escena en facetas-parcelas distintas,
cada una con su propio punto de vista.
[11]
Consiguiendo así que el objeto pictórico no simulara
ilusionistamente la realidad, sino que la hiciera verdadera.
[12]
En un intento por:
-entremezclar
los límites de lo pintado y lo real,
-dar
materialidad constructiva a la obra.
Pues las letras o números, al despojárseles su contenido
objetivo… pasan a formar elementos formales compositivos, como otra línea
abstracta más.
[13]
No ya destruyendo el arte (como hacía el Impresionismo) sino construyendo
un arte nuevo (a base de construir y encajar las piezas sueltas).
[14]
Pero en su día conocido por poca gente. Pues hasta 1916 no se expuso ni
puso a la venta.
[15]
La de un burdel de la calle Avignon de Barcelona.
[16]
Los 5 desnudos femeninos, sin relación entre sí. Las 5 son
prostitutas, que se exhiben delante del espectador a través de una tela, y
que levantan los brazos para mostrar la belleza de sus senos. 3 de ellas nos
están mirando (1 de ellas violentamente), 1 abre la cortina y 1 es recién
llegada a la escena.
A lo que hay que unir el bodegón, sin referencia descriptiva
ninguna, y que lo único que hace es corresponderse con el blanco, ocre,
azul y naranja del resto del cuadro.
[17]
Todas con rostros planos, ojos grandes, líneas redondas, contornos nítidos.
Aunque cada una dejando entrever a una persona conocida.
Y es que las máscaras aportaban libertad formal al artista, le eximían
de ser neutral y distante respecto a lo representado, y le permitía mostrar
su emotividad por el asunto pintado.
[18]
A través de planos irregulares, mediante líneas, y con tendencia a
la triangulación. Y afectando de forma directa a lo esencial del cuadro:
figuras, bodegón, fondo.
[19]
Como se ve en los rostros planos.
[20]
Dependiendo de cada figura representada, o de la parte de cada figura
representada.
[21]
Sobre todo del arte africano tribal (cuyas colecciones iba coleccionando
PICASSO, junto a fotografías de mujeres negras), que descubrió a través
de MATISSE. Y en menor medida del arte español pre-histórico y del arte
oceánico.
[22]
Supuestamente los reflejos de los estanques en el agua.
[23]
Como se ve en cada edificio, con un punto de fuga distinto al de otro
edificio.
[24]
Sin que ninguno de ellos sea el privilegiado.
[25]
Sobre la superficie pictórica, para mostrar que se han representado con
fidelidad los objetos. Es lo que se hace aquí con un trozo de hule, que se
usa para mostrar el diseño de una silla de rejilla.