Escultura renacentista

Ya en el Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a surgir. En el mundo del arte, y sin precedente previo alguno, también vino a consumarse el surgimiento de nuevas modas[1], de la mano de:

Con la llegada del Quatrocentto y la generación de Brunelleschi[4], Donatello[5] y Masaccio[6], Italia experimentó cómo un nuevo arte había empezado a emerger, con los ingredientes de:

A este cambio en la práctica artística acompañó una modificación paralela de las teorías en que aquella se apoyaba. Se trató, a forma de comienzos, de un naturalismo basado en los nuevos medios de la perspectiva y anatomía.

Pero donde quedaron plasmadas estas ideas de una manera más acabada fue, sin lugar a dudas, en los escritos de León Battista Alberti, representante de una doctrina, la “renacentista”, que abrazará todas las ramas de la actividad humana.

León Battista Alberti (Génova 1404-Roma 1472) fue sacerdote del Vaticano[7], abogado[8], matemático y arquitecto italiano. Fue criptógrafo, lingüista, filósofo y el primer arqueólogo en sentido estricto y moderno.

Se trata del primer teórico artístico del Renacimiento, figura emblemática en Italia[9], buscador incansable de nuevas reglas artísticas sobre el cuerpo humano, inventor de la perspectiva científica[10], inaugurador de la arquitectura moderna.

Proyectó numerosas obras arquitectónicas y artísticas por toda Italia[11], trabajando para el papado de Roma, los Este de Ferrara, los Gonzaga de Mantua, los Malatesta de Rímini, así como para la alta burguesía italiana y la clase nobiliaria florentina.

Las ideas de Alberti sobre las artes están íntimamente relacionadas con su concepción de la ciudad-estado italiana. Para él, el interés público racional era la forma suprema del bien: las leyes de la ciudad, la paz de la ciudad… con firmeza, con el uso de la tortura.

En consecuencia, lo que había de interesar al “renacentista” era el ciudadano, tanto el particular como el príncipe. Y lo que debía interesar al individuo era el servicio a sus compatriotas, con la búsqueda sistemática de la virtud[12], mediante la voluntad.

Alberti profesó la filosofía pagana, compatibilizada con los dogmas cristianos, y a forma de religión humanizada. Trató a los antiguos por encima de los contemporáneos, pero sin obligación alguna de seguir sus preceptos.

Las ideas de Alberti sobre las artes quedaron recogidas en su trilogía De Pictura-1435, De Reaedificatoria-1450[13], De Statua-1464. Su definición del pintor era la de “un hombre comprometido en la tarea científica, con las matemáticas y la geometría, la historia y los demás géneros, para mostrar la auténtica imagen de ese momento”.

Pronto se percató Alberti de que en Florencia todo era controlado por los Médicis, y de que los neoplatónicos, bajo la dirección de Ficino[14] y Mirandola[15], dominaban la cultura y la Academia platónica. Y es que Alberti no simpatizó nunca con el misticismo neoplatónico, sino con la vida activa.

Se trata del primer tratado de principios de arte de la historia, y el inicio teórico del Renacimiento. Fue editado en latín en 1435, y poco después en italiano.

A forma de paragone[16], aportando teoría y ejemplos clásicos, y no como historia de la pintura, Alberti rompe con los principios trecentistas de Cennini, y universaliza la pintura como obra del intelecto.

Ya con Duccio se había pasado de la perspectiva lineal, muchedumbres, naturaleza del todo por la parte, narrativa esquemática, repetición de personajes… al gótico tardío de Giotto y su eliminación de fondos dorados, intento de profundidad, personajes de espaldas, escorzos[20], cortes de figuras, psicología en la visión de personajes, emociones[21]…

Los antecedentes del Renacimiento hay que buscarlos en el s. XIV, cuando las ciudades-estado italianas empezaron a multiplicar las cortes locales, buscando cada una sus intereses locales, culturales, literarios… y con una proyección hacia el futuro.

-la introducción de la lengua vernácula, aún siendo todavía oficial el latín,

-la proliferación de novedades literarias, obra de Dante, Petrarca, Boccaccio…

-lineal empieza a racionalizar la visión, en una búsqueda de experimentación continua,

Fue publicado por la Catedral de Florencia para las puertas de su baptisterio, patrocinado por el gremio lanero Arte di Calimara de Florencia[27], y marcó el nacimiento exacto del Renacimiento[28], con dos obras finalistas imbuidas de renacimiento total[29]:

-Sacrificio de Isaac de Ghiberti[30], de canon policlético perfecto, resaltando la delicadeza, gracia y suavidad, y sin el drama del padre que tiene que sacrificar a su hijo (de hecho, focaliza más las referencias colaterales).

-Sacrificio de Isaac de Brunelleschi[31], de perfecta habilidad observativa, resaltando la vigorosidad, emoción y coherencia narrativa, con el drama de Dios Padre entregando a su Hijo por la humanidad.

Se trató del concurso de pintura narrativa más importante de la época, y en él pudieron verse los frutos de:

-Humanismo. Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano…

-Papel del artista. Es el momento en que surgen las biografías sobre artistas[32], comentarios sobre los artistas[33], y propios escritos de los artistas[34]. Empieza a aumentar, pues, la consideración del artista, y sus diferencias entre:

-artista de gremio, con su trabajo mecánico y manual[36], forjado en los viejos Trivium y Quadrivium.

-Papel del mecenas. Que empieza a mostrar interés por el arte, como medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico.

La Antigüedad ya había sido rescatada por la Iglesia y transmitida por ella misma a lo largo de 1.300 años. Luego no se trató de una escultura renacentista que partía de cero, sino de lo transmitido por la Iglesia. Eso sí, la escultura renacentista supo darle una nueva mirada, y entenderla con una conciencia distinta.

-Imitatio y Aemulatio. Consistía en imitar-copiar y emular-superar las obras antiguas[37]. Y aquí radicó toda la interpretación del arte renacentista:

La arquitectura y escultura lo tuvieron más fácil en ese sentido[38], mientras la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la fidelidad al espíritu clásico[39].

-Academias platónicas renacentistas. Surgieron de la fundación de la Academia platónica de Florencia[40], y tuvieron a Plotino[41] como su modelo.

-Filosofía clásica, cristianizada. Utilizó la filosofía clásica[42] para explicar las ideas cristianas[43]. Luego el artista debía estar inspirado por Dios.

Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de leyes geométricas al problema de las representaciones escultóricas:

Se trató de dar una nueva perspectiva[44], pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[45], y no como evolución de lo medieval[46].

Por ello, podía construirse un espacio ficticio-ilusorio, pero éste tenía que:

Como consecuencia, fue generalizada en el Renacimiento la Teoría de las proporciones, por la que:

-el ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a forma de punto de fuga[47],

-a partir del punto de fuga se han de pintar las ortogonales, formando retículas para la posición de cada objeto

Y Brunelleschi su principal seguidor, con las 2 tablas que pintó sobre el baptisterio y plaza de la Señoría de Florencia, cuando iba a construir la cúpula de Florencia, y en un intento de hacer ver de los canónigos:

Lorenzo Ghiberti (Florencia 1378-Florencia 1455), Ghiberti fue escultor italiano y el fundandor del primer gran taller artístico de Italia, educando personalmente a Donatello, Michelozzo, Ucello, Masolino, Filarete…

De entorno social aceptable, aprendió la orfebrería de su padre, y obtuvo el grado de maestro en orfebrería en 1409. Con 21 años ganó el concurso escultórico para las puertas del baptisterio San Juan de Florencia-1401.

Sus Comentarii-1453 aportaron valiosas referencias a los jóvenes artistas, así como introdujo una importante autobiografía en la historia del Arte.

Completó los 28 paneles que habían sido presentados para el concurso de la Catedral de Florencia-1401, y que el mismo Ghiberti había ganado[50].

Se trata de imágenes verticales, con curvas, movimiento dinámico, perspectiva lineal, cierta difusión del horizonte, suelo que sale hacia el espectador, arquitectura totalmente clásica, cabezas sueltas que decoran los marcos, personajes clásicos y otros de la época…

Llamadas así por el mismo Miguel Ángel[53], y calificadas de belleza por el resto de artistas[54], fueron esculpidas en bronce dorado perfecto en 1426 para la Catedral de Florencia[55], siendo la obra más importante de Ghiberti. Fue llevada a cabo con total libertad de ejecución, y trató de distanciarse de la práctica y arte oficial de los gremios.

Contiene paneles[56] sobre escenas del AT, que producen un gran efecto pictórico[57]:

-colocar espacios arquitectónicos, como telón de fondo digno para lo que hay delante.

Rompe la teoría de las 10 figuras por escena, juega con la visión del espectador y trata de educar la manera de ver.

Donato di Niccolo di Betto Bardi (Florencia 1386-Florencia 1466), Donatello fue escultor del mármol, terracota, madera y bronce. De la familia humilde de los Barri, tuvo formación filosófica, y perteneció al gremio de carpinteros.

Tuvo tanta creatividad que se le ha dividido en 3 fases creativas, pero siempre:

Pero lo que le hizo alcanzar rápida fama fue su invención de la stiacciato, escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma de relieve aplanado[61].

Hecho en mármol en 1408 para la catedral de Florencia[62], con todo el significado[63] que eso tenía. Se trata de un David joven, totalmente anti-medieval, con la cabeza de Goliat a sus pies y una cinta original en la mano derecha, en la que estaban escritos los héroes de la patria.

Fueron hechas para un edificio gótico cuadrado[64], lleno de esculturas del s. XIV puestas encima de hornacinas de los muros, y que constituía la sede y granero de los gremios florentinos[65].

-San Marcos[66]-1413, de 2,5 m. alto, encargado por el gremio de la lana, mostrando la sandalia clásica, mirada al frente, movimiento en reposo, contraposto[67]…

-San Jorge[68]-1417, en mármol, mostrando el orgullo de la juventud caballeresca, que vive sus ideas, con mirada idealizada en la eternidad. Está San Jorge en contraposto, con texturas bien acabadas en mármol, relieve en la parte inferior y planos súper bajos.

Destaca su Zuccone-1423, en piedra, para el campanile de la catedral de Florencia[69]. Muestra a un profeta mortificado, inspirando su rostro en las mascarillas funerarias romanas[70], con niveles de incisión increíble. Incluye gran desarrollo en los pliegues.

Destaca su Banquete de Herodes-1425, en bronce dorado para la fuente bautismal de la catedral de Siena, mostrando el horror de la escena[71] y su consecuente explosión psíquica[72]. Rompe con el clasicismo idealista[73] y deforma las proporciones en pro de la expresividad[74], sensación de realidad y coherencia de sentimientos. Introduce, no obstante, elementos renacentistas, como la perspectiva clásica, los arcos de medio punto, el plegado de paños…

Destaca su David palaciego-1428, en bronce clásico para el Palacio de los Médicis[75]. Muestra un David adolescente y desnudo, de 1,5 m, con curva praxiteliana, suavidad en la piel, contraposto del Doríforo, con la cabeza de Goliat a sus pies, piedra en la mano y casco desafiante. Llega al realismo desde el lirismo.

Destaca su Anunciación-1435, en piedra caliza dorada y terracota policromada para la Basílica Santa Cruz de Florencia. Muestra la parte más clasicista de Donatello, sin sorpresas ante el anuncio, con humildad de María, equilibro María-libro, ángel reposado, serena comunicación…

Destaca su Gattamelata equestre-1450, en bronce para la Plaza del Santo de Padua. Representa al serio Erasmo de Narni[76], en 3,5 x 4 m, de cara contenida, fuerte disciplina e individualismo. Sobre pedestal elíptico, muestra el dominio del jinete y caballo[77] sobre la naturaleza[78], aunque sin llegar a la posición de corbeta.

Destaca su Magdalena penitente[79]-1453, en madera para el baptisterio de la Catedral de Florencia[80]. Plasma la etapa más liberal y expresionista de Donatello. Muestra un cuerpo anciano, vertical, musculoso, sin rasgos humanos, sin dientes, con pelo asilvestrado.

Destaca su Judit y Holofernes-1454, en bronce[81] para el patio del Palacio de los Médicis[82]. Muestra el gusto por los distintos puntos de vista, y no sólo por el penitencial. Plasma una Judit decidida, de 2,4 m, con rostro tenso e impresionante, que sostiene la cabeza de Holofernes.

Jacopo di Petro d’Agnolo della Quercia (Siena 1367-Siena 1438), Jacopo della Quercia fue escultor italiano que buscó la síntesis entre la escultura gótica de Pisa y Borgoña, introduciendo en ambas el clasicismo florentino.

Esculpió figuras monumentales, de curvas y gran vitalidad, golpes de expresividad y efectos prácticos.

Fue uno de los escasos antecedentes de Miguel Ángel, y careció de discípulos que continuaran su obra.

Destaca su Tumba Hilaria del Carreto de Lucca-1406, para la catedral de Lucca, donde se muestra:

Destaca su Fuente Gaia de Siena-1409, para la plaza del Campo de Siena[84], donde se muestra:

Destaca su Relieves de San Petronio de Bolonia-1425, para la puerta de la Iglesia San Petronio de Bolonia, donde se muestra:

Lucca della Robia (Florencia 1400-Florencia 1482) fue el escultor italiano de la dulzura, armonía, suavidad, belleza decorativa… siendo las terracota vidriadas de Vírgenes con niño su tema favorito, sobre fondos blancos o azules.

Hijo de tintoreros, estudió por su cuenta la Antigüedad, y montó junto a su hermano un taller familiar artístico[94], pero sin demasiados avances renacentistas.

Destaca su Cantoría de la Catedral de Florencia-1431, en mármol para la entrada de la sacristía de la catedral florentina[95], donde se muestra:

Andrea di Michele del Cione (Florencia 1435-Venecia 1488), Verrocchio fue escultor italiano, profesor en la corte de los Médicis, y maestro de Da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Botticelli.

Hijo de un fabricante de azulejos, emigró a Venecia y allí aprendió el arte de manos de un tal Verrocchi.

Vuelto a Florencia, creó un taller de altísimo nivel[100] que no quiso compartir con nadie, e imponiendo en él el más sereno clasicismo renacentista de ahí en adelante.

Destaca su Duda de Santo Tomás-1463, en bronce para el Huerto de San Miguel de Florencia[101], donde se muestra:

Destaca su Fuente Putto con delfín de Florencia-1470, en bronce para el Palacio Vecchio de Florencia, donde se muestra:

Antonio di Jacopo Benci (Florencia 1431-Roma 1498), Antonio Pollaiolo fue escultor italiano, experto en esmaltes y discípulo de Doménico Veneciano.

Hijo de un granjero de pollos, fundó con su hermano Pedro Benci su propio taller florentino, inventando entre ambos la técnica del ecorché[108], y reflejando un interés por la anatomía clásica[109], brusca en el hombre[110] y serena y detallista en la mujer.

Destaca su Hércules y Anteo-1431, en bronce con aires pictóricos[111], donde su muestra:

Esculpida por Michelozzo en mármol de Carrara en 1430, por encargo de Bartolomé Aragazzi[117] para la catedral de Montepulciano.

Con afán arqueologicista[118] y realismo de las mascarillas romanas republicanas, representa las virtudes teologales con gran expresividad, al igual que la recepción en el cielo a Aragazzi, por parte de la Virgen y su familia.

Esculpida por Bernardo Rossellino[119] en mármol en 1444, por encargo de Leonardo Bruni[120] para la Basílica Santa Cruz de Florencia.

Con afán centralizador en la esfinge central, deja sencillo todo lo demás[121], incluido el arco superior[122].

Innovó las 3 bandas de colores[123], y puso al difunto yacente sobre una losa sujetada por 2 águilas[124], con libro en la mano y panel laudatorio[125].

Esculpida por Desiderio Settignano[126] en mármol porfírico blanco en 1453, por encargo de Carlo Marsupini[127] para la Basílica Santa Cruz de Florencia.

Con sepulcro en forma de urna, y flanqueamiento de puti-niños en vez de ángeles, muestra gran clasicismo[128] y dinamismo, con texto laudatorio incluido.

Esculpida por Antonio Rossellino[129] en mármol porfírico rojo[130] en 1460, por encargo de la familia del cardenal[131] para la Iglesia San Miniato de Florencia.

De gran unidad decorativa, bajo arco hecho con profundidad y rosetones, fondo combinado con el rojo[132], y una cortina que permite ver la escena.

Aludiendo a los viejos panteones romanos[133], introduce la iconografía cristiana:

[1] La moda de que el artista era un individuo autónomo, que necesitaba conocer todas las artes liberales y de la ciencia.

[2] Continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su De Artibus-1390, tratado en que abría un abanico de principios artísticos y técnicos a las nuevas generaciones que iban viniendo, ya en el mismo Trecento.

[3] Fundador del primer gran taller artístico de Italia, educando allí a DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Sus postreros Comentarii-1453 introducirán una valiosísima autobiografía en la historia del Arte.

[4] Arquitecto italiano, más conocido por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia, de elevada matemática y perspectiva cónica.

[5] Escultor italiano, más conocido por inventar la stiacciato o escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma de relieve aplanado.

[6] Pintor italiano, conocido por aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica.

[7] Trabajando exclusivamente para el papa (tras la llamada que le hizo el veneciano EUGENIO IV) y su proyecto vaticano, de 1434 a 1443.

[8] Cuya carrera de derecho había estudiado en Bolonia.

[9] Bajo su lema, que llegó a hacerse famoso por toda Italia, de “quid tum” (lit. y ahora que).

[10] En su De Pictura-1435.

[11] Aunque siempre encargó su ejecución a otros, debida su escasez de tiempo.

[12] Famosas fueron sus constantes condenas sobre el lujo de la ciudad, afirmando que éste era el origen por el que vendrían ocasionados todos los vicios.

[13] De 10 volúmenes y por orden del papa NICOLAS V, tras haber estado circulando durante años en forma de manuscritos escritos a mano.

En él se habla de:

-los edificios públicos de la ciudad,

-la belleza en arquitectura, basada en las leyes naturales y principios universales, y no dependiente del gusto individual,

-el objetivo de la arquitectura,

-la cocinnitas (lit. composición, armonía) de las partes, relacionadas proporcionalmente,

-la preferencia por los templos paganos de planta centralizada, antes que las iglesias medievales,

-la eliminación de la combinación columna-arco, pues el arco debería estar sustentado por el muro (y no por elementos separados),

-la decoración escultórica o llena de cuadros en el interior, pero nunca a base de frescos murales,

-el abovedamiento como forma de cubrición.

[14] Sacerdote y filósofo neoplatónico, que fundó la Academia platónica de Florencia, educando en ella a toda la prole de los MEDICIS y originando el Renacimiento filosófico en Italia.

[15] Filósofo y pensador italiano, y principal ayudante de FICINO en la Academia platónica de Florencia.

[16] Superioridad de la pintura, respecto a la arquitectura y escultura. Del italiano comparación-competición.

[17] Donde habla de:

-la visión científica del arte, con estudio de la óptica…

-la representación ilusionista,

-la tridimensionalidad, a partir de un punto único de referencia,

-la teoría de la perspectiva, analizada como “a través de la ventana”,

-la pirámide de la visión, a través de un proceso de racionalización (que ha de reducir los objetos según se distancien en sus cuadrículas).

[18] Donde habla de:

-el diseño de contornos, definiendo la línea de contorno como elemento ajeno a la visión real,

-la luz, composición y objeto, como los 3 elementos de la pintura,

-la pintura alegórica, que ha de personificar ideas abstractas,

-la pintura narrativa, que no ha de tener más de 10 figuras-escenas, para no perder intelectualidad.

[19] Donde habla de:

-el aprendizaje de la Antigüedad,

-el alejamiento del arte de la artesanía medieval,

-la imitación de los originales, y no de copias secundarias,

-la práctica del dibujo,

-la teoría del decorum de la medida y armonía,

-la utilización de la lengua vernácula para escribir sobre arte.

[20] Figuras forzadas.

[21] Aún sin un soporte teórico, que lo hubiera hecho ser el primer renacentista.

[22] Palabra inventada en el s. XIX para hacer referencia a la renovatio de que se hablaba la época.

En concreto, por:

-BALZAC, al referirse a la pintura flamenca post-gótica,

-JACOB BURCKHARDT en su Cultura del Renacimiento en Italia-1860.

[23] Según JACOB BURCKHARDT.

[24] Desde un concepto antropocéntrico, y no teocéntrico.

[25] A forma de buscadores de tesoros, libros, ruinas…

[26] Pues antes todo era plano y de oro litúrgico.

[27] Que patrocinó el concurso y puso las condiciones y la temática (civil, de alta causa, y a través de los elementos religiosos). Condiciones que obligaron a los candidatos a estudiarse los libros y técnicas clásicas.

[28] Momento que hasta el mismo VISCONTI tuvo que respetar, y esperar a que terminase el concurso para seguir sitiando militarmente la ciudad de Florencia. Lo que supuso unas mayores ganas del concurso, un enardecimiento de los sentimientos patrióticos, y una apelación a “los ideales republicanos romanos” de libertad civil y política clásica.

[29] Cuyos 28 paneles tenían que ser hechos en bronce dorado (cobre + estaño, mediante la técnica de la cera perdida), para la puerta este del Baptisterio (hoy en la puerta norte). Resultando ganador el de GHIBERTI, que se impone en la final al de BRUNELLESCHI y será invitado a completar el resto de 28 paneles.

[30] En el que destaca:

-paisaje con rocas, dentro de un marco cuadrilobulado,

-musculaturas, gestos, togados,

-1 altar totalmente clásico, con hojas de acanto,

-2 cabreros que llevan la mula a Abraham,

-1 ángel que irrumpe,

-1 carnero con cuernos enredados en la zarza,

-Isaac sobre un pedestal, con forma clásica total y desnudo clásico (el 1º desde la Antigüedad).

[31] En el que destaca:

-escenario escueto, con 1º plano separado del resto,

-curvas más góticas que clásicas,

-1 altar clásico,

-1 ángel con prisas al coger el brazo de Abraham,

-Abraham impulsivo al coger el cuello de Isaac.

[32] Como los Comentarii-1453 de GHIBERTI, importante autobiografía en la historia del arte.

Especial e importante será, posteriormente, la Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos-1550 de VASARI, célebre por sus biografías sobre artistas italianos, colección de métodos, rumores y leyendas recogidas, y en las que el artista italiano divide la historia del Arte en 3 etapas:

-la de GIOTTO,

-la de MASACCIO,

-la de LEONARDO DA VINCI.

[33] Como los de DANTE sobre GIOTTO.

[34] Como los de BARTOLOMEO FACIO, FILIPPO VINARDI... De hecho, la imprenta facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada artista fijarse en lo que quería.

[35] Momento en que entra en la pintura el conocimiento científico, tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica.

[36] Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían trabajado con sus manos.

[37] Como ya había enseñado ANGELINO ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a pintar:

-copiando a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación),

-superando lo copiado (emulación).

[38] Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo.

[39] Como es el caso de Los 10 tratados de arquitectura de MARCO VITRUVIO, la Historia natural de PLINIO EL VIEJO (editada en latín-1469 y toscano-1476), el Corpus Lucianeum de LUCIANO DE SAMOSATA… muy releídos en el Renacimiento. Es en lo que consistió la exfasis, o descripción de los cuadros a través de los textos.

[40] Fundada en 1459 por el sacerdote MARSILIO FICINO, costeada por los MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI…).

[41] Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería cristianizado).

[42] Los Diálogos y Banquete de PLATON…

[43] Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por ejemplo:

-Venus podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial,

-la simetría clásica podía significar la perfección del universo,

-los desnudos podían mostrar la creación original de Dios…

[44] Forma racional del espacio y de la vista.

[45] Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría, sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de una imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.

De ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió opiniones a todos al respecto. Y al final mostró a todos:

-su canon,

-la imagen que entre todos habían ido pactando (para gran risa de todo el público).

Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y no a través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia del Museo de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos difuminados al fondo (luego tampoco fue DA VINCI su inventor, sino su copiador).

[46] Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia de la visión.

[47] Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina superior derecha, dejando vacío del resto.

[48] Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador mira para ver el mundo de su interior”.

[49] Donde el ojo del pintor pasa a ser el único punto de vista, el único que fija las proporciones del horizonte y del primer plano. Así, la perspectiva pasaba a ser el verdadero espacio pictórico, y el pintor el prestidigitador de la imagen.

[50] Y donde había escrito en un epígrafe superior: OPUS LAURENTII FLORENTINIS.

[51] Salvo las últimas 2 líneas de paneles, que debían representar:

-a los 4 padres latinos, San Agustín, San Gregorio, San Ambrosio, San Jerónimo;

-a los 4 evangelistas, Mateo, Marcos, Lucas, Juan.

[52] Divididos por cuarterones-líneas esculpidas.

[53] Al considerarlas como las más dignas de estar a las puertas del Paraíso.

[54] Siendo ésta la 1ª vez que se utiliza esta categoría en el Renacimiento, con independencia del tema.

[55] Hoy en el Museo Opera del Duomo de Florencia. Pues lo que aparece hoy en la Puerta Este del baptisterio es una copia del original.

[56] Pero no sobre cuadrifolio, por deseo personal de GHIBERTI, para dar mayor espacio a las piezas narrativas.

[57] Dado el relieve lleno de texturas y perspectiva.

[58] Donde Rebeca está dando a luz en su cama, Esaú es enviado al campo con sus perros, y Jacob recibe la bendición de Isaac ante la mirada atenta de Rebeca.

[59] Como las metopas del Partenón de Atenas, que tenían los miembros casi quebrados. Se trata de la perspectiva escultórica, cuasi aérea, que dirige los ojos hacia donde el escultor quiere.

[60] Muy opuesto a la serenidad de GHIBERTI.

[61] Lo que permitía jugar con relieves supersensibles, dando perspectivas geniales y juegos de gradación.

Y es que en el Renacimiento empezó a dejarse de pintar las esculturas, pues los artistas iban encontrando las piezas clásicas sin pintura, y pensaban que así habían sido hechas (de ahí que MIGUEL ANGEL se tirara temporadas enteras en las canteras, buscando la mejor materia prima posible). Además, ningún libro de los llegados de la Antigüedad hablaba de esculturas policromadas, salvo cierto escrito que hablaba de policromía en el Augusto primaporta.

[62] Hoy está en el Museo Bargello de Florencia.

[63] DAVID en Florencia simbolizaba al pequeño que podía con el gigante, la figura política que vencía a los enemigos que le rodeaban.

[64] Hoy conocida como Iglesia Or San Michele de Florencia.

[65] De ahí la existencia de 14 nichos con elementos y esculturas totalmente distintas (de las que participó también DONATELLO), las últimas 9 de las cuales (de 1423) exaltando escenas guerreras (ante la amenaza del rey de Nápoles sobre Florencia).

Nichos en los que había participado, antes de la llegada de DONATELLO, el mismo NANNI DI BANCO (máxima promesa florentina, que murió joven y con un par de obras nada más), sobresaliendo sus 4 Mártires-escultores, que supuestamente se habían negado a esculpir la figura de Diocleciano.

Se trata, el 4 Mártires-escultores, de una compleja composición, en la que los 4 van vestidos de romanos republicanos realistas, muestran la vieja virtus romana, y están hablando sobre su castigo por negarse a esculpir a Diocleciano. Incluye:

-señales con el dedo,

-miradas trascendentes,

-pedestal en semicírculo, siguiendo la forma de los pies,

-parte posterior con un paño que se pliega hasta a la túnica de los mártires y las columnas exteriores.

[66] Patrón de los pañeros.

[67] 2 pies separados.

[68] Santo que murió mártir en Palestina, en un lugar donde lucha contra un dragón que se comía a las doncellas, y al que vence con sólo mentar a Jesucristo, por medio del cinturón de la doncella.

[69] Hoy está en el Museo Opera del Duomo de Florencia (en la Plaza del Duomo de Florencia, que recoge tan sólo las piezas de la Catedral de Florencia).

[70] Donde se resaltaba la virtus romana en su máxima madurez (pues estaba ya muerta).

[71] Horror por los planes de Herodías y su hija Salomé (que todavía está bailando), horror de la cabeza del Bautista, y horror en Herodes y los invitados.

[72] Pues todos los personajes se echan para atrás.

[73] Introduciendo la parte negativa y pathos del hombre.

[74] Casi anti-renacentistamente.

[75] Hoy está en el Museo Bargello de Florencia. Pero en su día fue encargado por los MEDICIS para el patio de su Palacio, para representar la independencia de la pequeña Florencia, y para ponerse ellos como los que estaban abanderando la ciudad.

[76] Al que se le apodaba “el gato meloso”, justo lo contrario a lo que DONATELLO muestra aquí. No obstante, se trata de la 1ª estatua en honor a un guerrero desde los tiempos de la Roma clásica (cuya única estatua equestre todavía en pie sigue siendo la de MARCO AURELIO).

[77] Pues éste sostiene la bola del mundo bajo sus patas.

[78] Pues la escultura está fuera de cualquier tipo de soporte arquitectónico.

[79] Vestida con piel de camello y llorando en una cueva, según cuenta la Leyenda Dorada-1250 del dominico SANTIAGO DE LA VORAGINE, y según recoge en sus temáticas TIZIANO. Pues María Magdalena se había retirado a vivir a una gruta para vivir en penitencia.

[80] Hoy está en el Museo Opera del Duomo de Florencia.

[81] En bulto redondo.

[82] Como fuente decorativa.

[83] Como motivo decorativo que se alargará hasta el Seicento.

[84] Hoy está en el Museo municipal de Siena.

[85] La madre de Rómulo y Remo (REA SILVIA) y la pastora que los crió (LUPA). Y es que, según la leyenda, un hijo de REMO fundó la ciudad de Siena.

[86] La Virgen con niño, las 8 virtudes, la Creación de Adán, la Expulsión del Paraíso.

[87] No nítidas pero sí expresivas, como precedente de la genialidad de MIGUEL ANGEL.

[88] Con rocas neutras decorativas.

[89] En la creación de Eva.

[90] En el caso de:

-Adán, que se pone de espaldas a Eva,

-Eva, que quiere rechazar la manzana con una mano, y con la otra la coge.

[91] Como es el caso de Dios Padre, dinámico a pesar de su enorme peso.

[92] En la expulsión del paraíso, o en el ángel expulsador.

[93] Como la Creación, el Pecado original…

[94] Floreciente, y que se alargaría hasta el 1600 mediante sus hijos GIOVANNI y GILOVANO y su sobrino ANDREA DELLA ROBBIA.

[95] Hoy, en el Museo Opera del Duomo de Florencia.

[96] Mucho más dramática y suelta en libertad compositiva, recogiendo las máscaras romanas, palmetas griegas, dinamismo que llega al caos de los gritos infantiles... Y que estaba justo enfrente de la de DELLA ROBBIA.

[97] Donde aparecen los niños cantando un salmo (el mismo que aparece escrito en los frontones), pero no gritando (como aparecía en la Cantoría de DONATELLO).

[98] Inspirado en el Augusto del Ara Pacis de Roma.

[99] En las togas sinuosas (de sinus, lit. curva), pliegues caídos, anatomía bajo los pliegues…

[100] Se dice que VERROCCHIO fue el más grande artista del s. XV italiano.

[101] Hoy está en el Museo de Basílica Santa Cruz de Florencia.

[102] Poniendo el pie de Tomás fuera del marco, y a Jesús subido a una tarima.

[103] De ahí el poner a Tomás de lado (aún sin perder el equilibrio).

[104] Que rompe el vestido de Jesús, y se pone en la diagonal descrita para que pueda ser vista por Tomás y por el espectador.

[105] Por sus rizos del pelo.

[106] Sosteniendo el peso en la pierna izquierda, y girando su cabeza hacia la derecha.

[107] Nueva moda introducida en el Renacimiento por el gran VERROCCHIO, introduciendo el movimiento ilusorio en las estáticas fuentes clásicas de Roma.

[108] Técnica de pintar al hombre casi sin piel, y sólo músculos en vivo.

[109] Que le hizo ser llamado en 1493 por el papa SIXTO IV para los trabajos de la gruta de San Pedro del Vaticano.

[110] Por las investigaciones anatómicas que habían obtenido de su afición a las disecciones reales.

[111] Al tratarse de un tema de acción, basándose en su precedente pintura Trabajos de Hércules.

[112] Ya inventados por LISIPO en el s. IV a.C.

[113] Que habían puesto en la estaticidad su criterio de composición. Con POLLAIOLO, ahora será la acción el criterio de composición.

[114] Inventando el concepto de libertad escultórica, para provocar movimiento en cualquier dirección.

[115] Clásico héroe de la Antigüedad, que con la piel del león de Nemea, había tronchado a Anteo. Clásico héroe que había llegado a estar en el sello de la República florentina, y al que describe con la boca abierta, pies hacia los lados contrarios, rizos disparados.

[116] Hijo de Poseidón y Gea, que vivía en Libia con aspecto de gigante, y que retaba a todos los viajeros que pasaban por allí (hasta que llegó Hércules en uno de sus trabajos, y lo tronchó).

[117] Secretario del papa MARTIN V, gran erudito y experto en textos clásicos.

[118] Pues estaba empezando a ponerse de moda la recolección de anticuarios y detalles antiguos.

[119] Bernardo di Matteo Gamberelli (Florencia 1409-Florencia 1464), BERNARDO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre.

[120] Canciller de Florencia y gran abogado, al servicio del papa INOCENCIO VII en diversos trabajos para el Concilio de Constanza-1411.

[121] Salvo la Madonna con niño y el León marzocco (símbolo de Florencia) del tímpano.

[122] Emulador de los Arcos del triunfo de Roma.

[123] Elemento muy repetido en adelante, en los elementos sobre tumbas en la pared.

[124] Por las victorias conseguidas por el canciller.

[125] Sobre el dolor de las musas, por haber perdido a BRUNI.

[126] Desiderio de Bartolomeo di Francesco (Settignano 1430-Florencia 1464), DESIDERIO DA SETTIGNANO fue famoso por sus esculturas de niños (conocidos como puti).

[127] Canciller de Florencia, venido de la familia gobernadora de Génova, y de gran altura intelectual.

[128] Por sus roleos, hojas de acanto, patas de animal, la venera…

[129] Antonio di Matteo di Domenico Gamberelli (Setignano 1427-Florencia 1479), ANTONIO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre.

[130] Para aludir al poder de Roma.

[131] Muerto con 27 años y príncipe de Portugal, que estuvo emparentado con todos los nobles europeos.

[132] Mediante la técnica del estofado, o dorado al que luego se le unen las pinturas, con punzón.

[133] Por la forma del sarcófago, y por la inspiración en las máscaras funerarias (para dar suavidad al mármol y variación en los tonos-sombras).

[134] Uno llevando la corona de la vida eterna, y otro llevando la palma de la victoria.