BARROCO

a) Origen del Barroco
b) Arquitectura barroca
c) Pintura barroca
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ORIGEN DEL BARROCO

 

a) Concilio de Trento

           Ya en el s. XV, Sixto IV había impuesto la necesidad de obtener un imprimatur diocesano para aprobar y exponer toda obra religiosa dentro de una Iglesia.

            Paradójicamente, y como resultado de los sucesos que siguieron al Saco de Roma-1527 y Reforma luterana[1], se produjo un reforzamiento del poder del papado en Italia, y los estados pontificios aumentaron su prestigio mundial.

            Junto a este panorama político, también el papado incluyó el desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la proliferación de escritos artísticos, no sólo para justificar la religión, sino también como arma de propaganda eficaz.

            En el Concilio de Trento[2] las disposiciones conciliares de 1563 hablaban de:

-velar por el contenido del arte religioso,
-autorizar sólo las esculturas y pinturas que fuesen de calidad,
-prevenir contra la indecencia o profanación.

            El acento artístico de Trento vino a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen concedido:

-a las ideas probables que tuvieran fundamento,
-a la sabiduría y erudición que pudiesen aportar los artistas consagrados.

            En cuanto a las filosofías clásicas, las más peligrosas fueron rechazadas por el Concilio, y fueron toleradas todas las demás mitologías clásicas, bajo el calificativo de inofensivas para el actual mundo racional.

b) Propagación del arte tridentino

            Tras la celebración del Concilio de Trento, el mundo eclesial intercontinental, con instrucciones positivas al respecto, comenzó a resaltar el valor de:

-la pintura, para el mundo de la imagen,
-la escultura, para incitar a la piedad y conmover el espíritu,
-la arquitectura, para atraer la mirada de las personas distraídas.

            En arquitectura, Trento había propuesto estructuras artísticas duraderas, pudiéndose utilizar al caso los órdenes clásicos. Así, empezó a ser común, tras las prebendas tridentinas[3]:

-construir las iglesias sobre promontorios,
-esculpir figuras o adornos serios y decentes para las fachadas,
-elevar el altar sobre unas gradas, para oficiar con dignidad,
-unir la sacristía al transepto y no al presbiterio, para impulsar las procesiones,
-convertir en capillas los brazos del crucero, para oficiar allí los días festivos,
-conveniente iluminación,
-obligación de restaurar la decoración y mobiliario anticuado
[4].

            La Iglesia Gesu de Roma[5], adaptada a la perfección al nuevo arte impulsado por Trento, fue el mayor ejemplo de “edificio de gran belleza ofrecido a Dios”, con:

-dimensiones de cuerpo humano perfecto, el de Cristo,
-interior más rico que el exterior, el del alma divina de Cristo,
-exterior adornado con todo tipo de órdenes clásicos, el del cuerpo humano de Cristo.

            En pintura, Trento había desaprobado la introducción de lo pagano en el arte religioso[6], al mismo tiempo que había sido riguroso respecto a la decencia, humor popular, leyendas populares, figuras desnudas[7].

            En esta teoría tridentina del decorum, la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y carácter, sus gestos ser apropiados, la escena ser bien escogida, el artista tener presente que su obra se destina a una iglesia.

            En cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios[8] sobre las características que éstos debían tener en el mundo del arte, viniendo a convenir en:

-la majestuosidad, impresionando en la manera de lo posible,
-el esplendor, alabando las antiguas tradiciones eclesiásticas,
-el carácter religioso, imponiendo el acuerdo entre sacerdotes y artistas.

            En cuanto a los frescos, Trento propuso:

-todo tipo de ciclos y programas intrincados[9],
-dar utilidad a la arquitectura,
-introducir mensajes con filosofía moral,
-causar piedad, y no sólo imitar la realidad
[10].

c) Desarrollo del Barroco

            El Barroco fue un movimiento nuevo eclesial, gestado en el Concilio de Trento, impulsado por las nuevas órdenes eclesiales[11], y con la nueva mística que elevaba el alma a Dios[12].

            Vio la luz en Roma bajo Sixto V y su inédita Urbanización de Roma-1585[13], cuando el papa abrió las puertas de Roma a todos los mejores artistas, y a los peregrinos del mundo entero.

            Kilometrajes de pintura, y la propia Escuela San Lucas de Roma[14], atrajeron a Caravaggio, Carracci, flamencos, franceses, bambochantes[15], mecenas[16] y artistas de todo tipo.

            No obstante, el Barroco poco a poco adquiriendo mucha más importancia fuera de Italia, hasta la evolución decorativa del Rococó. Desde el desbordamiento del Barroco en Roma, con Bernini, Borromini… hasta el holandés Rembrandt y el flamenco Rubens, todos los artistas barrocos fueron impregnando una nueva forma de reflexionar en la historia.

d) Características del Barroco

            Del término portugués barroco-perla irregular, y del español barrueco-joya, fue definido el Barroco por el arqueólogo francés Antoine Quatremere de Quincy como algo chocante y llamativo que se puso en escena.

            En el s. XIX adquirió el rango de inferior respecto al arte renacentista, bajo Jacob Burckhardt en su Cicerone-1860[17].

            Enrick Volfield habla en su Renacimiento y Barroco de un Barroco contrapuesto y distinto al renacentista, del que no tenía nada que ver[18].

            Henri Focillon, en su Vida de las formas-1934 aplica barroco a las manifestaciones de exuberancia y generosidad de proporciones, volúmenes y líneas.

            El Barroco está hoy asociado, pues, al arte:

-extravagante, y muchas veces relacionado con lo recargado, sofisticado, grotesco;
-de personalidades, más que de estilos, y de sus seguidores
[19];
-teatral, con influencia de escritores literarios, que se decantó por la pintura.

            Fueron elementos también barrocos: la naturaleza muerta, el bodegón[20], las escenas de género[21], las arcadias[22], los paisajes[23].

 

 

ARQUITECTURA BARROCA

 

a) Bernini

            Gian Lorenzo Bernini (Nápoles 1598-Roma 1680) fue arquitecto barroco italiano, y el mayor escultor de todos los tiempos.

            Hijo de escultor florentino, nació y aprendió a esculpir en Nápoles, donde su padre trabajó. Con 6 años se trasladó a Roma con su familia, mostrando su talento de niño prodigio y simpático al cardenal Barberini. Creció católicamente[24] en una Roma exuberante que renacía de sus cenizas, ayudando a su padre en las obras vaticanas para Pablo V y Clemente VIII.

            Hasta 1623 Bernini mostró una fase estilística y helenística, mostrando en su adolescencia una concentración sobrehumana, y unas primeras obras inéditas que superaban en mimetismo a todos los artistas de su época. En 1515 es llamado por el cardenal Scipione Borghese, que le pide componer sus primeras obras para su Palacio personal.

            En 1623 es nombrado director de la Academia San Lucas de Roma, y llamado en 1629 por Urbano VIII para trabajar al mando del Vaticano[25], hasta el fin de sus días. Sólo excepcionalmente trabajó fuera del Vaticano[26], empezando a introducir en todo el dramatismo, gesticulación y luminosidad.

            En cuanto a amistades, estuvo enemistado públicamente con Borromini, y hacia 1635 abre una relación íntima con Constanza Bonarelli, que le lleva a obtener una reprimenda del papa. Alejandro VII le regala un reloj de arena con las 4 alegorías de la caridad, verdad, prudencia y justicia, aludiendo a que el tiempo es caduco y lo aproveche bien.

            A su muerte, sus piezas móviles empezaron a circular por toda Europa, como fue el caso de los museos de Florencia, París, Londres, Edimburgo, Hamburgo, Madrid y hoy día Washington.

a.1) Obra arquitectónica de Bernini

            Destaca su Baldaquino de San Pedro-1624, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-realce a los restos arqueológicos petrinos[27],
-estructura monumental,
-balaustrada a la entrada de las grutas,
-el centro exacto del crucero basilical, bajo la cúpula de Miguel Ángel,
-4 columnas salomónicas
[28],
-conjugación entre ciborio
[29], imagen del palio y simbolismo ceremonial.

            Destaca su San Andrés, Longinos y Verónica-1628, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-espacio involucrador, dentro de los 4 pilares de la cúpula,
-complemento a la Veracruz de Santa Elena
[30],
-dramatismo sin precedentes,
-paños significativos,
-sus símbolos de cabeza
[31], lanza[32], velo[33].

            Destaca su Tumba de Urbano VIII-1627, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-mármol y bronce dorado,
-alegoría de la caridad y justicia,
-1 esqueleto, con libro de difuntos y epigrafías,
-el símbolo de las abejas de Urbano VIII,
-continuidad con la Tumba de Pablo III-1549.

            Destaca su Columnata de San Pedro-1629[34], hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-continuación sobre los trabajos de Maderno[35],
-drama impactante, grandiosidad máxima, carácter ceremonial,
-brazos abiertos semicirculares
[36], para recibir a miles de peregrinos,
-visibilidad hacia la fachada principal
[37],
-aire libre para celebraciones masivas
[38],
-espacios cubiertos para el agua
[39],
-4 filas de columnas dóricas monumentales
[40].

            Destaca su Scala Regia-1663, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:

-escalera ceremonial,
-kilometrajes de mármoles y columnas,
-conexiones entre aposentos papales-basílica,
-estrechamiento del espacio
[41],
-intermitentes aperturas de luz
[42],

a.2) Obras escultóricas de Bernini

            Destacan sus obras de:

-Eneas, Anquises y Ascanio-1618[43], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Retrato de Pedro de Foix-1621
[44], hoy en la Iglesia Santa Mª di Montserrato de Roma,
-Plutón y Proserpina-1621
[45], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Apolo y Dafne-1622
[46], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-David-1623
[47], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Santa Bibiana-1624
[48], hoy en la Iglesia Santa Bibiana de Roma,
-Busto de Scipione Borghese-1632
[49], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Busto de Constanza Bonarelli-1635
[50], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Verdad-1645
[51], hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Transverberación de Santa Teresa-1647
[52], hoy en la Iglesia S.Mª de Victoria de Roma,
-Fuente de los 4 ríos-1648
[53], hoy en la Plaza Navona de Roma,
-Cátedra de San Pedro-1666
[54],  hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano.

b) Borromini

Francesco Castelli (Lugano 1599-Roma 1667), Borromini fue arquitecto italiano, y el más destacado arquitecto del Barroco.

Nació en los Alpes italianos y creció en Milán, donde estudió arte y colaboró en las obras catedralicias de la ciudad.

Con 20 años decide comenzar la aventura de Roma, cambiando su apellido natal por el de Borromini, y siendo contratado como cantero avanzado por Bernini[55]. Tras romper con Bernini, trabaja por influjo del cardenal Barberini en la universitaria Iglesia Sant Ivo alla Sapienza de Roma, la Iglesia San Carlos de las 4 fuentes de Roma, y la Basílica San Juan de Letrán de Roma.

Con gran aprecio por la obra de Miguel Ángel, Borromini introdujo en la arquitectura los elementos barrocos de:

-dimensiones gigantes,
-plantas centralizadas, de todo tipo de formas,
-dinamismo de paredes y espacios,
-uso de la luz,
-materiales simples y económicos,
-geometría modular, y no ya aritmética.

b.1) Obras de Borromini

            Destaca su Palacio Spada de Roma-1625, donde se muestra:

-perspectiva arquitectónica[56],
-técnica del trampantojo
[57], para el patio palaciego.

            Destaca su Iglesia San Carlos de las 4 fuentes de Roma-1634[58], donde se muestra:

-sensación irracional,
-impresionante e inédita planta multiforme
[59],
-2 brazos a partir del óvalo, y no de la cruz,
-fachada ondulada
[60],
-alzado en 3 niveles
[61],
-juegos entre lo cóncavo y convexo,
-cúpula llena de luz y casetones,
-estucos ficticios, para las columnas y frisos,
-el triángulo, como medida para todos los módulos
[62].

            Destaca su Oratorio San Felipe Neri de Roma-1637, donde se muestra:

-ladrillo y técnica del ladrillo[63],
-fachada monumental,
-monasterio, iglesia y claustro interior.

            Destaca su Iglesia Sant Ivo alla Sapienza de Roma-1642[64], donde se muestra:

-linterna helicoidal[65],
-epígrafes salomónicos
[66],
-inspiración paleocristiana del norte italiano,
-el triángulo milanés, como medida estándar,
-cúpula sin tambor,
-efectos de luz
[67],
-juegos entre lo cóncavo y convexo, curvas y contracurvas
[68].

c) Guarini

            Guarino Guarini (Módena 1624-Milán 1683) fue matemático, sacerdote y escritor italiano, dedicado también a la arquitectura desde los 17 años[69].

            Escribió Euclides Adauctus-1640, primer tratado matemático sobre geometría descriptiva de la historia, y se dedicó en su tiempo libre a las construcciones del Palacio de Saboya, Iglesia San Lorenzo de Turín-1666, Palacio Carignano de Turín-1679, Capilla Sábana Santa de Turín-1688, así como otras edificaciones en Módena, Mesina, Verona, Viena, Praga, Lisboa y París.

            Fue introduciendo, paulatinamente en todas sus obras, el último arte barroco e inicio del rococó.

d) Ciudad barroca

            La emergencia de los estados nacionales absolutos tuvo como consecuencia la desaparición de las libertades ciudadanas. Además, el proceso de centralización real hizo que todo el poder viniese a concentrarse en la capital, que empezó a crecer espectacularmente a expensas de la nación. Así, lo importante empezó a ser el tamaño y número de habitantes, y no ya tanto la buena administración.

            Al concentrar la capital todas las fuerzas de la nación, empezó a crear su propia moda y gustos, y éstos se fueron extendiendo al resto de ciudades de la nación. Gustos y modas que fueron controlados, en todo momento y sin descanso, por el propio rey en persona.

            Otra consecuencia de la concentración de población fue la conversión del individuo en masa, y el peligro potencial de que ésta fuera levantisca a nivel interno. De ahí la cultura psicológica dirigida por el monarca hacia el cuerpo de los ciudadanos, con la sorpresa, ostentación y maravilla como medios para adherir emocionalmente a los espectadores.

            Otro fin análogo de la ciudad barroca fue el nuevo organigrama pacifista, dirigido ahora hacia el interior[70] y no hacia enemigos venidos de fuera. Se trataba de salvaguardar el poder absoluto del rey, pero no ante los enemigos exteriores sino los de su propia nación.

            París fue el ejemplo de ciudad barroca, y una de las primeras que llevó a cabo un ambicioso proyecto de reformas públicas e institucionales[71]. Lo hizo desde una novedad absoluta:

-introduciendo la plaza regular italiana,
-construyendo casas pequeñas de ladrillo,
-abriendo soportales y tiendas en los bajos.

            Londres fue el ejemplo de no reformarse barrocamente, y eso que tuvo la oportunidad tras el incendio de 1666, al quedar la ciudad a expensas de un plan renovador, verse sin las ataduras de estructuras medievales precedentes, y presentarse todo tipo de proyectos innovadores[72].

            Viena pudo reformarse barrocamente una vez que pudo verse libre de su enemigo turco en 1683, abandonar definitivamente su muralla defensiva y diseñar grandes programas arquitectónicos. Tuvo aire religioso imperial, oficialmente expansivo hacia el oriente y triunfante en cultura aristocrática

            Las plazas fueron levantadas en torno a una iglesia[73], careciendo casi de connotaciones representativas[74] y con la única finalidad de centralizar un núcleo residencial. Solían disponer de jardín[75] y ausencia de tráfico rodado.

            Los palacios reales solían estar situados al margen de la ciudad, lo que hizo que se compensara a la ciudad con un monumento conmemorativo real, imagen de la grandeza monárquica y equilibrio ante su ausencia de entre la sociedad. Meramente artísticos[76], sin utilidad ni carácter público, estos monumentos, como los arcos del triunfo[77], planteaban el antagonismo poder-ciudad, divorcio palacio-sociedad.

e) Palacio barroco

            Tuvo su modelo de inspiración en los palacios italianos renacentistas[78], tanto para Felipe IV de España[79], Carlos I de Inglaterra[80], Isabel de Países Bajos[81], Enrique IV de Francia[82], Urbano VIII de Roma[83].

            Fueron otros focos de inspiración palaciega:

-Felipe II de España, que construye el Buen Retiro[84] de Madrid con los modelos de los palacios veraniegos de Nápoles,
-María de Médicis en Francia, que en 1611 construye el palacio real de París con los modelos del Palacio Pitti de Florencia,
-Carlos II de Inglaterra, que construye su nuevo palacio real de Londres con los modelos del Palacio El Escorial de Madrid.

            El palacio de Versalles supone una alternativa totalmente nueva respecto a los palacios italianos, y trató de representar el espíritu nacionalista francés. Puso como punto de partida la visión unitaria frontal[85], a la manera de un relieve. Su decorado[86] tendió a escenificar teatralmente las ceremonias y dominio del rey. Y pronto empezó a ser imitado en toda Centroeuropa[87].

            El palacio de El Escorial supone el aspecto diferenciador español. Pues la idea de majestad en España insiste en que la familiaridad engendra desprecio, y que la inaccesibilidad es el atributo real[88]. De ahí el carácter laberíntico, túneles secretos y complicados accesos del palacio madrileño, tendente a ocultar las miradas al rey y guardar las distancias.

e.1) Idea barroca del rey

            Las monarquías europeas utilizaron el arte barroco como un arte estatal y al servicio del estado, tanto en la erección de una arquitectura monumental[89] como en la utilización de las fiestas propagandísticas[90] y la imagen del rey Sol[91].

            Ideó el barroco, así, la idea de un rey moral[92] y una reina bella[93], retratado[94] con sus símbolos[95], y con o sin caballo[96].

            Por otro lado, el rey debía asumir el mecenazgo de las artes, siempre y cuando estas obras no supusieran un fuerte aumento de los impuestos, u obras públicas improductivas. Su atención y dedicación al arte debía ser máxima, como supieron hacer:

-Luis XIV de Francia, tras la Tregua de los 12 años-1609[97],
-Carlos I de Inglaterra, comprando masivamente modelos italianos renacentistas,
-Felipe IV de España, creando espacios cultos en el Retiro, El Escorial y Alcázar.

            Dos fueron las finalidades del arte barroco real, intentando que estuviesen unidas visiblemente en torno al poder y majestad real:

-la propaganda, por medio de un estilo más clasicista,
-la moral, por medio de un estilo más manierista.

f) Jardín barroco

            Tuvo sus modelos de inspiración en Italia[98] y Flandes[99], que hacían de contrapunto al palacio[100] y se destinaban al descanso y recreo de los monarcas.

            El jardín barroco[101] refleja una nueva variante respecto al jardín renacentista. Supone una perfecta relación de sus diversas partes entre sí, su vocación de servicio al palacio, y una adaptación premeditada del agua al terreno. Trata de hacer que el palacio disponga de buenas vistas y perspectivas.

            Por otro lado, el jardín barroco es un postulado geométrico perfecto, expresa una reconstrucción racional, libre y ordenada de la naturaleza, subraya la subordinación de la naturaleza a la razón. Muestra una proyección infinita, inmutable, intemporal, con avenidas abiertas sin aparente fin.

            En cuanto a su decoración, posee todo tipo de recursos teatrales, destinados a las grandes fiestas[102] en las que se trataba de impresionar con decorados son desmesurados, ostentosos, inteligentes, fantasiosos… escenario era idóneo para las obras pastoriles, mascaradas cortesanas. Tuvo, no obstante, el obstáculo de los efectos luminosos, causa de su rápido declive y de que se construyeran teatros estables en otro sitio.

 

 

PINTURA BARROCA

 

a) Carracci

            Annibale Carracci (Bolonia 1560-Roma 1609) fue pintor barroco italiano[103], que encarnó la opción artística opuesta a su rival Caravaggio[104], e influyó en Poussin. Viajó a Parma y Venecia, y trabajó para el Palacio Magnani de Bolonia, Palacio Samperi de Bolonia, Capilla Bonasoni de la Iglesia San Francisco de Bolonia, así como para el Palacio Farnesio de Roma[105] y la Iglesia Santiago de los Españoles de Roma[106].

            De dibujo lineal florentino y acusada observación, y con óleo sobre lienzo o tabla, Carracci fue ecléctico en la temática, con escenas de género, mercado[107], retratos, caricaturas[108]… así como libre en el tratamiento, vestimenta…

            Destacan sus paisajes, no complementarios sino esenciales, autónomos[109], costumbristas, tanto religiosos como naturales y apaisados[110], y que le convirtieron en el precursor del paisaje barroco del s. XVIII y romántico del s. XIX.

            Paralizado en su brazo en sus últimos años, fue ayudado a terminar obras por parte de sus discípulos Domenichino, Albani, Lanfranco, Guido Reni y Badaloccio. Fueron etapas de su vida artística:

 

-periodo boloñés, hasta 1594,

-periodo romano juvenil[111], de 1594 a 1597,

-periodo romano de madurez, ecléctico y para la familia Farnesio en Roma[112].

 

a.1) Escuela de Carracci en Bolonia

            Fue fundada por Ludovico Carracci[113], junto a sus primos Agostino[114] y Annibale[115], y bajo los nombres de Academia del Diseño natural-1582, Escuela de los Deseosos[116]-1590 y Escuela de los Encaminados[117] de 1591 en adelante.

            Pretendió renovar el arte manierista del momento[118], decadente para ellos, y bajo las directrices que había marcado el arzobispo boloñés Gabriele Paleotti en su Discurso sobre las imágenes-1582.

            Y lo hizo intentando reactualizar las referencias clásicas greco-romanas y Renacimiento del primer Cinquecento[119], inspirándose en el claro-oscuro[120] y color veneciano. Trató de inculcar la intelectualidad pictórica, el dibujo al natural[121], el eclecticismo de diversas fuentes[122] y la persuasión en el espectador[123].

            Se trató de un clasicismo boloñés que no pasó desapercibido en la Corte papal de Roma, y que recibió numerosos encargos cardenalicios y nobiliarios romanos.

 

a.2) Obras de Carracci

 

            Destaca su Carnicería-1580[124], hoy en la Iglesia de Cristo de Oxford, donde se muestra[125]:

-total rotura del clasicismo[126],
-luz homogénea y neutra,

-muchos personajes, sin mirar al espectador.

 

            Destaca su Comedor de habas-1580, hoy en la Galería Colonna de Roma, donde se muestra una técnica suelta-abofetada[127].

 

            Destaca su Crucifixión y santos-1583, hoy en la Iglesia Santa María de la Caridad de Bolonia, donde se muestra:

-simetría y equilibrio, en 2 partes,
-pincelada suelta
[128] y abofetada[129],
-sin remates ni interés decorativo,
-naturalidad y novedad retratista,
-la calavera de Adán, y libro a sus pies,
-pies sucios de San Francisco
[130].

            Destaca su Bautismo de Jesús-1584, hoy en la Iglesia San Gregorio de Bolonia, donde se muestra:

-dinamismo,
-factura acabada,
-preanuncio del barroco de Barocci
[131].

            Destaca su Virgen entronizada con San Mateo-1588, hoy en la Galería de Arte de Dresde, donde se muestra:

-influjo veneciano, de Tiziano y Veronés,
-escorzo de María para subir al cielo,
-gestos teatrales en los apóstoles,
-densidad material, que aviva lo prodigioso,
-preanuncio del barroco de Rubens y Da Cortona.

            Destaca su Pesca-1595, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-planos escalonados,
-ideal pastoril bucólico, alegre y fresco,
-paisaje rústico de 1ª importancia,
-armonía hombre-naturaleza-animales, pero sin sentimientos,
-luz veneciana
[132], crepuscular y agradable.

            Destaca su Caza-1595, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-planos escalonados,
-ideal pastoril bucólico, alegre y fresco,
-paisaje rústico de 1ª importancia,
-armonía hombre-naturaleza-animales, pero sin sentimientos,
-luz veneciana
[133], crepuscular y agradable.

            Destaca su Frescos en la Cúpula farnesina-1597[134], hoy en el Palacio Farnesio de Roma[135], donde se muestra:

-la virtud del mundo clásico,
-los 3 tipos de amor: divino, contemplativo, bestial,
-lienzo encajado en el centro del techo, junto a frescos en sus 4 brazos,
-perspectiva, grisalla, efecto real de una visión,
-molduras de estuco, que compartimentan el espacio en cuadraturas
[136],
-su Hércules en la encrucijada
[137], hoy en el Museo Capodimonte de Nápoles[138],
-su Bodas de Baco y Ariadna
[139].

            Destaca su Cristo en gloria y santos-1597, hoy en el Museo Palatino de Roma, donde se muestra:

-los personajes representados[140],
-el penitente del centro
[141],
-el Vaticano,
-Cristo en la gloria, rodeado de los apóstoles Pedro y Juan,
-influencia de Rafael y Correggio.

            Destaca su Piedad-1599, hoy en el Museo Capodimonte de Nápoles[142], donde se muestra:

-forma piramidal,
-lamentación sobre Cristo
[143],
-belleza formal en el cuerpo de Cristo
[144],
-tragedia clásica, con realismo y poder emocional,
-luz que incrementa el drama,
-influencia de Miguel Angel y Correggio.

            Destaca su Asunción de la Virgen María-1600, hoy en la Capilla Cerasi[145] de la Iglesia Santa María del Popolo de Roma, donde se muestra:

-clasicismo total, en luz, volumen, idealización,
-gestos expresivos y heroicos,
-escorzo y bulto redondo en figuras, poderosas y atemperadas,
-juego de simetría y equilibrio,
-juego de colores al ser llevada María al cielo,
-contraste total con Caravaggio
[146].

            Destaca su Huida a Egipto-1603, hoy en la Galería Doria Pamfili de Roma[147], donde se muestra:

-clasicismo total,
-referencias a la arquitectura romana
[148],
-ausencia de equilibrio
[149],
-centro gravitatorio en movimiento, en torno a la Sagrada Familia,
-2 líneas diagonales, remarcadas por el río y el rebaño,
-planos profundos, creados mediante montículos,
-fondo en esfumato,
-irrealidad
[150] y subjetividad[151],
-luz equilibrada y natural, y juego de claros-oscuros,
-ideal pastoril y bucólico, en armonía hombre-naturaleza,
-árboles prototípicos
[152] y paisajísticos[153],
-naturaleza heroica
[154], aristocrática[155], ennoblecida[156],
-sentimientos de melancolía
[157], de algo perdido.

            Destaca su Autorretrato-1604, hoy en el Museo Hermitage de San Petersburgo, donde se muestra él a sí mismo.

b) Discípulos de Carracci

            Domenico Zampieri (Bolonia 1581-Nápoles 1641), Domenichino[158] pintó siempre en Roma, en el Palacio Farnesio junto a Carracci, así como para los cardenales Aldobrandini y Girolamo Agguchi, y la familia Mattei. Anoréxico y maniático, continuó el clasicismo boloñés a través de un ideal que hiciera real la naturaleza, anatomía, paisaje y estatuaria clásica. Destaca su:

-Muerte de Santa Cecilia-1612[159],
-Comunión de San Jerónimo-1614
[160],
-Diana y sus ninfas-1616
[161].

            Guido Reni (Bolonia 1575-Bolonia 1642) destacó por alargar las formas y buscar la belleza ideal del pathos[162], junto a la experiencia mística religiosa. Se puso a las órdenes de Carracci en el Palacio Farnesio de Roma. De ahí pasó al servicio del cardenal Sfondrato, que lo introdujo en las obras vaticanas de Pablo V. Pintó para el Palacio del cardenal Scipione Borghese, hasta que dejó Roma por una reprimenda del cardenal Spínola[163], desplazando su trabajo hacia las catedrales de Rávena y Bolonia. Destaca su:

-Matanza de los inocentes-1611[164],
-Triunfo de Sansón-1611
[165],
-Aurora-1614
[166],
-Hipomenes y Atalanta-1619
[167],
-Rapto de Helena-1626
[168].

            Giovanni Barbieri (Ferrara 1591-Bolonia 1666), Guercino[169] introdujo la escuela boloñesa en el pleno barroco. Trabajó para el cardenal Serra de Ferrara, haciéndose famoso[170] por sus efectos sutiles de luz, gestos y expresiones faciales. Ganado para la causa por el anciano Ludovico Carracci, se peleó con Reni y marchó a Roma, donde pintó el Casino Ludovisi y Basílica de San Crisógono, siendo invitado por Gregorio XV para pintar en el Museo Capitolino[171]. Destaca su:

-Et in arcadia ego-1618[172].

            Francesco Albani (Bolonia 1578-Bolonia 1660) abandonó a su maestro manierista Calvaert para unirse al grupo de Domenichino, Reni y otros que se habían sumado al proyecto de los Carracci. Ayudó a pintar las alegorías del Palacio Farnesio de Roma, pasando de ahí a pintar en el Palacio de los Mattei, Palacio de los Giustiniani y Palacio del cardenal Verospi. También dejó su huella en la Iglesia de la Paz y la Iglesia Santiago de los Españoles. Destaca su:

-Alegoría de las 4 estaciones-1616[173].

            Giovanni Lanfranco (Parma 1582-Roma 1647) destacó por sus cúpulas que parecían abrirse al cielo[174], rivalizando en demanda de frescos con Domenichino. Trabó amistad con José Ribera en Nápoles, y pintó escenas gladiadoras para el Palacio Buen Retiro de Madrid. Destaca su:

-Auspicios de un emperador romano-1635[175].

c) Caravaggio

            Michelangelo Merisi (Milán 1571-Porto Ercole 1610), Caravaggio fue pintor barroco italiano, el mayor genio del s. XVII, y activo artista en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia. Aprendió manierismo en el taller de Peterzano, y pronto recibió el apoyo de las familias Colonna y Sforza. Conoció la obra de Da Vinci en su Milán natal, y la de Giorgione en su viaje a Venecia.

            Hijo del arquitecto y marqués de Caravaggio, en 1592 Caravaggio dio el salto a Roma, desnudo y sin nada del dinero hereditario materno, hasta que el papa Clemente VIII decide llamarlo a su servicio.En 1594 decide abrirse paso por sí mismo, forjando las amistades del coleccionista Próspero Orsi, el callejero Onorio Longhi y el siciliano Mari Minniti, y comienza a meterse en peleas callejeras. No obstante, llamó la atención del cardenal Francisco Mª del Monte, que lo saca de apuros y lo pone a trabajar en su galería privada. Poco a poco empezó a conocerse la obra del milanés, y a causar escándalo sus cuadros religiosos[176].

            Hacia 1600, y por influencia del cardenal Del Monte, pasó Caravaggio a pintar la Capilla Contarelli de Roma, dando paso al tenebrismo total y al más emocional barroco, pasando a ser admirado por unos y odiado por otros. Tras lo cual, Caravaggio vuelve a sus temáticas grotescas, de decapitaciones y asesinatos, con un naturalismo y realismo dramático.

            En 1606 mató Caravaggio a Ranuccio Tomassoni, lo que hizo que huyera de Roma a Nápoles, y allí re-empezase de nuevo su vida pictórica. Hasta que la ley vino en su busca[177] y tuvo que huir a Malta, bajo la protección legal de Alof de Wignacourt, maestre de la Orden de Malta, que lo nombró pintor oficial de su Orden. No obstante, también aquí armó una trifurca pública, con destrozo de una casa al completo, y expulsión por non grato de la Orden de Malta.

            Tras verse sin nada y en la calle, recibió Caravaggio intentos de linchamiento[178], hasta que el papa Pablo V decide sacarlo de la postración, que se arrepintiera profundamente de todo, y obtener un perdón general para él. Vuelve a Roma y se pone a trabajar, hasta el final de sus días, para la familia papal de Pablo V[179].

c.1) Estilo de Caravaggio

            Caravaggio es el fundador del tenebrismo, naturalismo realista en contra de todo idealismo y superficialidad manierista. En ese sentido, evitó romper con la tradición renacentista realista.

            No mostró la belleza ideal ni los temas heroicos, renunciando a una enseñanza pedagógica y centrándose en lo cotidiano sin ideal alguno.

            Mostró constantes contrastes luces-sombras, eliminando así todo espacio y atmósfera. La luz procede del exterior del cuadro, y no es una luz natural sino una vela o foco en la oscuridad, para crear así misterio y drama.

            Nunca sopesó el autorretrato, pero sí fue introduciendo elementos personales en sus cuadros. Además, acabó permitiendo que otro pintor lo retratara[180].

            Fueron etapas pictóricas de Caravaggio:

-formación, de 1581 a 1592, centrada en Milán,
-juventud, de 1592 a 1598, cuando llega a Roma
[181],
-madurez temprana, de 1598 a 1606, cuando su personalidad ya es conocida en Roma,
-madurez tardía, de 1606 a 1610, cuando huye de Roma y marcha al exilio.

c.2) Obras de Caravaggio

            Pintó 10 obras sobre el Antiguo Testamento, como:

-Sacrificio de Isaac-1598, hoy en la Galería Johnson de New Jersey,
-Sacrificio de Isaac-1603, hoy en la Galería Uffizi de Florencia,
-Judit y Holofernes-1599, hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma,
-David y Goliat-1599, hoy en el Museo del Prado de Madrid,
-David con cabeza de Goliat-1607, hoy en el Museo Historia del Arte de Viena,
-David con cabeza de Goliat-1610, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Juan Bautista-1598, hoy en la Catedral de Toledo,
-Juan Bautista-1604, hoy en el Museo Nelson-Atkins de Kansas,
-Juan Bautista-1604, hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma,
-Decapitación de Juan Bautista-1608, hoy en la Iglesia San Juan de Valletta.

            Pintó 9 obras sobre Jesucristo, como:

-Natividad-1609, hoy en la Iglesia San Lorenzo de Palermo,
-Adoración de los pastores-1609, hoy en el Museo Nacional de Mesina,
-Huida a Egipto-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili de Roma,
-Ecce Homo-1605, hoy en el Palacio Rosso de Génova,
-Cristo en Getsemaní-1605, hoy destruido,
-Prendimiento de Cristo-1602, hoy en la Galería Nacional de Dublín,
-Coronación de espinas-1604, hoy en la Galería Cariprato de Prato,
-Coronación de Espinas-1607, hoy en el Museo de Historia del Arte de Viena,
-Entierro de Cristo-1603, hoy en el Museo Vaticano de Roma.

            Pintó 4 obras sobre la Virgen María, como:

-Virgen de Loreto-1604, hoy en la Capilla Cavalletti de la Iglesia San Agustín de Roma,
-Virgen del Rosario-1607, hoy en el Museo de Historia del Arte de Viena,
-Virgen con niño y Santa Ana-1606, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Muerte de la Virgen-1604, hoy en Museo Louvre de París.

            Pintó 17 obras sobre los santos, como:

-San Mateo y el Angel-1602, hoy destruido,
-Vocación de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli de la Iglesia San Luis de Roma,
-Inspiración de Mateo-1602, hoy en la Capilla Contarelli de Iglesia San Luis de Roma,
-Martirio de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli de la Iglesia San Luis de Roma,
-Vocación de Andrés y Pedro-1603, hoy en el Palacio Buckigham de Londres,
-Resurrección de Lázaro-1609, hoy en Museo Nacional de Mesina,
-Incredulidad de Santo Tomás-1602, hoy en la Galería Sanssouci de Postdam,
-Discípulos de Emaús-1601, hoy en la Galería Nacional de Londres,
-Crucifixión de Pedro-1601, hoy en la Capilla Cerasi de Iglesia Sta.MªPopolo de Roma,
-Conversión de San Pablo-1600, hoy en la Galería Odescalchi-Balbi de Roma,
-Magdalena penitente-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili de Roma,
-Marta y María-1598, hoy en el Museo de Arte de Detroit,
-Santa Catalina de Alejandría-1598, hoy en el Museo Thyssen de Madrid,
-San Jerónimo en meditación-1605, hoy en la Abadía Montserrat de Barcelona,
-San Jerónimo escribiendo-1605, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Extasis de San Francisco-1595, hoy en el Ateneo Wadsworth de Hartford,
-Meditación de San Francisco-1595, hoy en Palacio Barberini de Roma.

            Pintó 4 obras de retratos, como:

-Retrato de Cortesana-1597, hoy destruido,
-Maffeo Barberini-1598, hoy en manos privadas,
-Retrato de Pablo V-1605, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Retrato de Alof de Wignacourt-1607, hoy en el Museo Louvre de París.

            Pintó 9 obras cotidianas[182], como:

-Muchacho cogiendo fruta-1592, hoy en la Galería Longhi de Florencia,
-Muchacho con cesto de frutas-1593, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Muchacho mordido por lagartija-1596, hoy en la Galería Nacional de Londres,
-Muchacho con Cordero-1602, hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Buenaventura-1594, hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Jugadores de cartas-1594, hoy en el Museo Kimbell de Texas,
-Músicos-1595, hoy en el Museo Metropolitano de New York,
-Tañedor de laud-1596, hoy en el Museo Hermitage de San Petersburgo,
-Canasta de frutas-1599, hoy en la Biblioteca Ambrosiana de Milán.

            Pintó 8 obras sobre mitología[183], como:

-Baco enfermo-1593, hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Baco-1596
[184], hoy en la Galería Uffizi de Florencia,
-Cabeza de Medusa-1597
[185], hoy en la Galería Uffizi de Florencia,
-Júpiter, Neptuno y Plutón-1597, hoy en la Galería Ludovisi de Roma,
-Narciso-1599, hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma,
-Amor victorioso-1602, hoy en la Galería de Arte de Berlín,
-7 Obras de Misericordia-1607, hoy en el Museo Capodimonte de Nápoles,
-Cupido dormido-1608, hoy en el Museo de Arte de Indianapolis.

d) Discípulos de Caravaggio

            Caravaggio no creó ningún taller artístico, ni tuvo colaboradores ni le surgieron discípulos estrictos. Tuvo amigos, pero no círculo ni escuela forjada.

            No obstante, su trabajo a la prima renovación pictórico atrajo a numerosos seguidores, incluidos varios discípulos de su oponente Carracci, y lejos de Italia también. Es lo que nos narra Julio Mancini, médico de Urbano VIII, en su Considerazioni sulla Pittura-1630.

            Bartolomeo Manfredi (Cremona 1582-Roma 1622) fue seguidor de Caravaggio desde 1603 y sus enfrentamientos con Baglione, emulando sus claros-oscuros, insistencia naturalista, pintura de género y lenguaje corporal de los personajes. Compuso pinturas de caballete para privados, e introdujo en el caravaggismo a pintores venidos de Francia y Flandes. Destaca su:

-Paliza de Marte a Cupido-1607[186], pista sobre un Caravaggio perdido[187].

            Carlo Saraceni (Venecia 1570-Venecia 1620) trabajó en la Academia San Lucas de Roma desde 1607, destacando por sus paisajes densamente boscosos, figuras monumentales[188], naturalismo extremo, así como por sus vestuarios franceses y cuadros-joya pequeños. Repitió varios cuadros religiosos de Caravaggio, que el clero romano rechazaba sistemáticamente. Destaca su:

-Martirio de San Lamberto-1608[189],
-Virgen con niño y Santa Ana-1610
[190].

            Orazio Borgiani (Roma 1575-Roma 1616) transportó a España el fenómeno caravaggista, influyendo en Velázquez y Tristán. Destacó por su conocimiento de las ruinas romanas y murales vaticanos de Rafael, así como por sus paños escultóricos y paleta tostada. Destaca su:

-San Cristobal-1600[191],
-Sagrada Familia-1615
[192].

            Bartolomeo Cavarozzi (Viterbo 1590-Roma 1625) trabajó casi siempre en España, al servicio del cardenal Zapata y de las obras de los Crescenzi en El Escorial, e influyendo en Zurbarán. Supo dotar al tenebrismo de elegancia e idealización, así como utilizar unos efectos de luz extremos Destaca su:

-San Jerónimo y 2 ángeles-1617[193],
-Desposorios de Santa Catalina-1618
[194].

            Giovanni Serodine (Ascona 1600-Roma 1631) trabajó para la rica familia de los Mattei, y fue caso aparte por su libertad impresionista, aparte de su brillantez cromática, pincelada desecha y gran empaste, dentro del tenebrismo. Destaca su:

-Santa Margarita resucita a un joven-1620[195],
-Jesús entre doctores-1625
[196],
-Despedida de Pedro y Pablo ante el martirio-1625
[197].

            Orazio Gentileschi (Pisa 1563-Londres 1639) cambió su manierismo por el sistema caravaggista que contempló en Roma, sintetizando un estilo convencional, elegante, sin defectos físicos y sí ricos vestidos. Exportó el caravaggismo a España[198], Génova, París[199], Corte de Carlos I en Londres y su propia hija[200]. Destaca su:

-Anunciación-1623[201],
-Moisés sacado de las aguas-1630
[202].

e) Cortona

            Pietro Berettini (Cortona 1596-Roma 1669), Cortona fue pintor barroco italiano que destacó por sus frescos decorativos en techos y pintura de caballete. Aprendió en el taller florentino del manierista Andrea Commodi, a quien decide dejar para crear su estilo propio, con cierta mirada puesta en el clasicismo boloñés.

            Trabajó al servicio de la familia Saccetti en su Villa de Pigneto, y de la familia Mattei en su Palacio de Roma. Aquí conoce a Cassiano del Pozo, que lo introduce al cardenal Barberini. Empieza a pintar, por influjo cardenalicio, la Iglesia Santa Bibiana de Roma y su propio Palacio Barberini de Roma, aunque sigue haciendo escapadas a Florencia para pintar el Palacio Pitti.

            Destaca su:

-Rapto de las Sabinas-1627[203], hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Triunfo de la Providencia-1633
[204], hoy en el Palacio Barberini de Roma.

f) Discípulos de Cortona

            Giovanni Battista Gaulli (Génova 1639-Roma 1709), Baciccio llevó el ilusionismo de Da Cortona al culmen, abriendo espacios insólitos en bóvedas y techumbres. Conoció a Rubens y Van Dyck en su Génova natal, aunque de lo que se quedó prendado fue de la cúpula de Parma de Correggio. Destaca su:

-Adoración del Nombre de Jesús-1679[205].

            Andrea del Pozzo (Trento 1642-Viena 1709) inventó los efectos especiales en su Perspectiva pictorum-1693, dejando incluso atrás los escenarios ilusionistas y diseños ópticos sorprendentes. Como sacerdote jesuita, trabajó para las iglesias de su Orden, así como para el Palacio de Liechtenstein y otros edificios centroeuropeos. Destaca su:

-Alegoría de la misión de los jesuitas-1691[206].

g) Rubens

            Pedro Pablo Rubens (Siegen 1577-Amberes 1640) fue pintor barroco flamenco, aparte de embajador de España e Iglesia Católica ante diversas sedes europeas[207].

            Exiliado en su infancia a Alemania por su índole calvinista, regresó a su Amberes natal a los 16 años, convertido al catolicismo y poniéndose en manos de sus maestros Van Noort y Van Veen. Durero fue su modelo a copiar, y pronto marchó a Italia para perfeccionar su estilo.

            En sus viajes por Italia trabajó para los Gonzaga de Mantua, la marquesa Spinola-Doria de Génova y el cardenal Montaldo en la Iglesia Santa María in Vallicella de Roma. En España trabajó para el duque de Lerma y Corte de Valladolid. En Francia para la reina regente María de Médicis y su Palacio Luxemburgo de París. Y a su vuelta a Amberes, se casó con Isabella Brant y se dedicó a la composición pictórica total[208].

            Su taller de Amberes contó con un equipo de artistas que componían cada cuadro en común[209], siendo Rubens su supervisor y el impulsor del colorido de Veronés, movimiento y vitalidad carnal de Miguel Angel[210], sensualidad femenina de Rafael.

g.1) Barroco flamenco de Rubens

            Continúo con la tarea comercial y espíritu internacional que había ido desarrollando el Renacimiento flamenco en la zona de Flandes, así como con la tarea artística que ya habían iniciado los góticos Jan van Eyck y Van der Weyden, y los renacentistas Joachim Patinir y Lucas van Leyden.

            A nivel histórico, España siguió controlando desde 1495[211] a 1713[212] las 17 provincias de los Países Bajos, bajo un enfoque artístico:

-de ímpetu católico y anti-protestante,
-de fuerte temática guerrera, religiosa y retratista,
-de preciosismo de detalles materiales.

g.2) Obras de Rubens

            Destaca su Alegoría de la guerra-1638, hoy en la Galería Pitti de Florencia, donde se muestra:

-total influencia de Tiziano,
-iconografía clásica
[213],
-el hambre y plaga, en los monstruos,
-rotura de la paz, en el instrumento roto de la mujer,
-consecuencia de la guerra, en la mujer con niño huyendo,
-las 3 gracias, pintadas en un libro bajo Marte,
-Europa, vestida de luto y coronada con una ciudad.

h) Discípulos de Rubens

h.1) Discípulos flamencos

            Anton Van Dyck (Amberes 1599-Londres 1641) representa el refinamiento de figuras, elegancia etérea y alargamiento de rasgos faciales, inclinándose por los asuntos religiosos[214].

            Jacob Jordaens (Amberes 1593-Amberes 1678) muestra el polo opuesto a Van Dyck, resaltando la bajeza y embriaguez de la vida cotidiana, y negándose a viajar a Italia para aprender estilo italiano.

h.2) Discípulos holandeses

            Harmenszon van Rijn (Leiden 1606-Amsterdam 1669), Rembrandt careció casi al completo de temática religiosa[215] y aristocrática, repitiendo una y otra vez los asuntos de la burguesía[216] y milicias ciudadanas[217]. Deshace casi al completo la técnica pictórica, y llega a la máxima representación de sentimientos. Destaca su:

-Anatomía del Dr. Tulp-1632[218],
-La Ronda de noche-1642
[219],
-Autorretrato-1659
[220].

            Frans Hals (Amberes 1580-Haarlem 1666) se inclina también por los temas burgueses, plantando en pleno Utrecht el más puro caravaggismo. Destaca su:

-Patronato del Orfanato-1664[221].

            Jacob van Ruisdael (Haarlem 1628-Amsterdam 1682) muestra paisajes que tienden a ser realistas, con 2/3 de cielo y 1/3 de elementos terrenos. Desaparece el hombre como centro de la escena, el centro geométrico de composición y la arcadia pastoril feliz, para mostrarse las nubes, tierra ganada al mar y gente trabajando… tal cual son[222]. Destaca su:

-Campos de trigo-1670[223].

            Aelbert Cuyp (Amsterdam 1620-Amsterdam 1691) muestra paisajes de vacas, con cierto mensaje heroico del hombre adaptado al entorno. Idealiza, así, la vida del campo, mostrando la arcadia feliz del pastorcito. Destaca su:

-Escena de mujer ordeñando-1646[224].

            Pieter Claesz (Burgsteinfurt 1597-Amsterdam 1660) muestra los bodegones holandeses, lo idílico del festín, pasteles decorados con vajilla, espejos y aves. Es la cima de la vida burguesa, pintada como pura vanitas y siempre con la fiesta recién terminada. Destaca su:

-Vida turca-1627[225].

i) Poussin

            Nicolás Poussin (Normandía 1594-Roma 1665) fue el pintor barroco francés más clasicista[226], y el auténtico intelectual del barroco mundial.

            Advertido en su infancia de su tendencia artística, Poussin fue enviado a París para especializarse bajo George Allemand. Allí obtuvo seguidores poussinistas que se opusieron a la corriente rubenista. Y conoció a Marini, pintor de corte de la reina María de Médicis, que le entregó en matrimonio a su prima Ana María y le abrió las puertas de Roma.

            En Roma pasó la mayor parte de su vida[227], aprendiendo el equilibrio y clasicismo de Rafael, y trabajando sin descanso para el cardenal Barberini, el cardenal Omodei y la familia Giustiniani.

            Su estilo es claro, lógico y ordenado. Su temática fue religiosa y mitológica, siempre con valores morales, y siempre esquivando los temas bajos y la muerte. Y dio al paisaje el protagonismo total, haciéndolo heroico y trascendente, y que el hombre se adaptara constantemente a él.

i.1) Obras de Poussin

            Destaca su Et in arcadia ego-1627 y 1637, hoy en el Museo Louvre de París, donde se muestra:

-epigrafía que están leyendo los personajes,
-paisaje idílico,
-línea de horizonte en el centro,
-1/2 de cielo y 1/2 de tierra.

 

Manuel Arnaldos   
Mercabá, diócesis de Cartagena-Murcia    

más información
Diccionario Mercabá de Arte

Indice general de Enciclopedia Mercabá de Historia   

__________

[1] Que había prohibido las imágenes y el arte, provocando auténticas revoluciones iconoclastas en el norte europeo e Inglaterra, en sus 3 momentos estelares de:

-1522, donde la 7 obras de misericordia fue rayada ex-profeso,
-1566, cuando empezó a restaurarse toda obra religiosa con caras difusas,
-1581, donde las paredes protestantes pasaron a quedarse vacías y mudas.

[2] 1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios humanísticos y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los medios para el mayor de los florecimientos espirituales y misionales de la historia.

[3] Encabezadas por las directrices del arzobispo de Milán, CARLOS BORROMEO, que fue publicando en numerosas obras de índole artística.

[4] Imperado por el De Nitore et Munditia Ecclesiarum-1584 de CARLOS BORROMEO, auténtico primer compendio de la historia del Arte orientado a la restauración artística.

[5] De los PP. Jesuitas, animadores y universalizadores del movimiento artístico de Trento, haciendo que:

-el público llano no sintiera temor al arte ni a la Iglesia,
-el arte fuese más accesible a la población,
-se potenciara artísticamente el halago de las emociones.

[6] Como también denunciaron:

-GIOVANNI GILIO DA FABRIANO, en su Diálogo de los errores pictóricos-1564, donde condena que los pintores giraban cabezas y piernas para hacerlas insuperables, sin pensar en la devoción;
-GABRIELE PALEOTTI, en su Discurso sobre las imágenes-1582, donde condena la oscuridad veneciana y dejar a los objetos secundarios como mudos.

[7] Los cardenales BORROMEO (Milán 1538-Milán 1584) y PALEOTTI (Bolonia 1522-Bolonia 1597) añadieron el consejo particular de evitar la indecencia no sólo en las iglesias y arte religioso, sino en las casas privadas y arte de cualquier estilo. Consejo que adoptó en 1598 la Academia San Lucas de Roma, al exhortar a todos sus académicos a pintar “temas decentes y dignos de elogio”.

[8] Estudios que vieron la luz con las Instructiones Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae-1572 de CARLOS BORROMEO.

[9] Destacando las temáticas de:

-éxtasis de santos, en su transverberación, martirio…
-administración de sacramentos,
-ángel de la guarda y cielo en la tierra…

[10] Como propuso la línea teológica impulsada por FRANCESCO GUAZZO (Milán 1525-Milán 1609), sacerdote que en su Compendium Maleficarum había destapado hasta 11 fórmulas satánicas llevadas a cabo por brujas de la época, las participaciones sexuales de súcubos-hombres e íncubos-mujeres y las ceremonias aquelarre que se habían puesto de moda.

[11] Entre las que destacaron:

-la Compañía de Jesús de SAN IGNACIO DE LOYOLA, con su Iglesia Gesu de Roma-1568,
-el Oratorio de SAN FELIPE NERI, con su Iglesia Santa María Vallicella de Roma-1577,
-los teatinos de SAN CAYETANO DE THIENE, y su Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma-1590,
-los borromianos de SAN CARLOS BORROMEO, y su Iglesia San Carlo al Corso de Roma-1610…

[12] Siendo el año 1622 el cénit del Barroco eclesial, cuando la mayoría de santos del s. XVI fueron canonizados al unísono (SANTA TERESA DE JESUS, SAN JUAN DE LA CRUZ…).

[13] En la que el pontífice trató de dar solución a la vieja y medieval urbanización de la ciudad petrina, con desniveles callejeros, edificios derrumbados, restos arqueológicos en peligro de expoliación…

             Fue entonces cuando el papa SIXTO V (1585-1590) llevó a cabo el imperial proyecto de urbanizar al completo la ciudad de Roma, girada en torno al primado petrino, y dándole la grandiosidad de antaño a todos los lugares paleocristianos (trabajos soterráneos relatados por GIACOMO BOSSIO en 1638).

[14] Donde se forjaron ZUCCARO, MUCIANO, DE NEBIA…

[15] Pintores de anecdotillas bajas de la calle, que desembarcaron en Roma cuando tuvo lugar el auge del papa SIXTO V, y empezaron a ganarse la vida en la calle con pinturas de pequeño tamaño.

             Fundaron la banda de los Bent Vueghels (lit. Pájaros) para protestar contra los impuestos del papa, con pinturas reaccionarias y llenas de inmoralidades en las paredes de Roma (lo que hizo que se les expulsase de Roma, o que acabasen pagando los impuestos).

             Se trató del estilo artístico surgido del holandés PIETER JACOBS VAN LAER, conocido como Il Bamboccio (lit. figura coja), durante su estancia en Roma.

             Fue un arte bambochante anti-sistema, de luz dirigida, no natural, callejera, tabernera, con sensación de naturalidad. Representó el campo paccino (de vacas dentro del foro romano).

[16] Como el marqués LICENCIO GIUSTINIANI, el cardenal FRANCESCO DEL MONTE (mecenas de CARAVAGGIO), el cardenal PIETRO ALDOBRANDINI (mecenas de CARRACCI), los FARNESIO…

[17] Donde se afirma que “empezó a aparecer como distinto e inferior al arte renacentista, a lo salvaje, sin orden y sin filiación directa con el renacimiento”.

[18] Afirmando que “si el renacimiento persigue la línea, el barroco persigue el color; si el 1º busca lo plano, el 2º la profundidad; si el 1º busca la forma cerrada y unidad, el 2º la forma abierta y pluralidad; si el 1º busca la claridad absoluta, el 2º la claridad relativa”.

[19] Como los caravaggistas franceses, los caravaggistas holandeses…

[20] Flores, comidas…

[21] Escenas callejeras, llenas de pícaros, que fueron pintando los bambochantes de Roma.

[22] Relación y armonía total entre el hombre y la naturaleza.

[23] Mares, ciudades inventadas, momentos pastoriles… Tanto a nivel de:

-paisajes italianos, como empezó a plasmar PAUL BRILL (1554-1626),
-paisajes franceses, como empezó a plasmar CLAUDE DE LORENA (1600-1682).

[24] Con gran relación con los sacerdotes jesuitas, y con una religiosidad girada en torno a la Imitación de Cristo de TOMAS DE KEMPIS.

[25] A la muerte del anterior director de obras vaticanas, CARLO MADERNO.

            Trabajos vaticanos que dirigirá durante 50 años, de la mano de 5 papas distintos (con la excepción por poco tiempo del papa INOCENCIO X, que a la muerte del papa URBANO VIII despidió a toda la Corte predecesora, incluido BERNINI).

[26] Como fue el caso de la Corte francesa de LUIS XIV DE FRANCIA, donde el ministro COLBERT se empeñó y convenció al papa para que dejase recalar por breve tiempo al genio mundial en la capital parisina (trabajando en el Museo Louvre de París y Palacio de Versalles).

[27] Que habían sido descubiertos en las excavaciones vaticanas (sobre una necrópolis subterránea del Vaticano, encima de la cual y, exactamente, se conservaba la Catacumba del Apóstol San Pedro).

            Se trataba de una Catacumba de San Pedro llena de altarcitos con todos los mártires que habían ido muriendo en el Imperio romano, y que el emperador CONSTANTINO decidió enterrar allí (justo en el sitio donde luego levantó, en planta superior, la 1ª Basílica Vaticana-326, o Basílica Constantiniana, de 30 años de construcción).

             Se trataba de unas grutas vaticanas amplias, con espacio suficiente para que se empezaran a enterrar allí a todos los papas (265 hoy día) de la historia.

[28] En bronce dorado, sobre 4 bases y dando a una cornisa. Se inspiraban en unas columnas traídas de Jerusalén por el emperador CONSTANTINO, y que habían sido puestas en la Vieja Basílica de San Pedro del Vaticano. Encima de cada columna hay un ángel de casi 4 m. altura.

[29] Estructura cuadrada fija que antes se ponía encima del altar, a forma de templete.

[30] Ciclo de la Veracruz que decoraba los 4 pilares de la cúpula de MIGUEL ANGEL.

[31] De San Andrés, encargada por BERNINI a FRANCESCO DUQUESNOY.

[32] De Longinos, realizada por el propio BERNINI.

[33] De la Verónica, encargada por BERNINI a FRANCESCO MOCHI.

[34] Sobre la vieja Plaza Reta del Vaticano, que se había quedado pequeña y cuadrada respecto a la nueva y longitudinal fachada principal del Vaticano.

[35] CARLO MADERNO (Capolago 1556-Roma 1629), que ganó en el Concurso-1605 abierto por el papa PABLO V para la Nueva Basílica San Pedro del Vaticano, mediante un proyecto consistente en transformar:

-el proyecto de MIGUEL ANGEL de planta de cruz griega, centralizada,
-en el proyecto de MADERNO de planta de cruz latina, longitudinal.

            La solución de MADERNO consistía en un compromiso que:

-no alterara la cúpula de Miguel Angel (dominante en la Basílica, y organizadora del espacio),
-permitía el levantamiento de una fachada monumental (en la medida de lo posible longitudinal).

            Fachada del Vaticano que fue el molde ampliado que CARLO MADERNO ya había ensayado en su Iglesia Santa Susana de Roma-1603 (de columnas en el 1º piso, pilares en el 2º piso, vanos y volutas en total dinamismo, que provocó un shock en su inauguración).

[36] “Para abrazar a los católicos, reunir a los herejes e iluminar a los agnósticos”, decía el mismo BERNINI.

[37] Viniendo a la Basílica desde el Río Tíber, a los que BERNINI unió mediante la Vía de la Conciliación.

[38] Teniendo que renunciar a una entrada más pequeña que hubiera dado el efecto sorpresa de encontrarse con la plaza y fachada vaticana de sopetón.

[39] Con techumbres entre las 4 filas de columnas.

[40] Sobre las que se sitúan las esculturas monumentales de santos.

[41] Adosando columnas y bajando el techo.

[42] Como la de 90º que da a la estatua del emperador CONSTANTINO.

[43]  Donde dejó boquiabiertos a todos por sus diversos puntos de vista.

[44]  Con introspección psicológica del personaje, haciéndolo cercano e íntimo. Se trata de un monumento funerario que esculpe la cara del difunto, a forma de escultura que sale del nicho.

[45] Que arrastra hacia el hades inferior a los personajes, e inventa una nueva técnica del mármol moldeable (1ª vez en la historia donde se hace dúctil al mármol). De naturalismo insuperable en la historia del arte, superando casi a la pintura en el efecto de maleabilidad, ritmo y movimiento. De efecto convulso y violento.

[46]  Sobre la Metamorfosis de OVIDIO. Muestra a Dafne convertida en laurel, con su carne convertida en tronco, ramas y hojas (de forma progresiva, a los ojos del espectador). Inventa la visión dual escultor-espectador, para que el espectador participe en la escena, y en ella involucre su corazón. De realismo alucinante, se trata de un desafío escultórico realizado a la pintura y poesía, a nivel de competir en máximos grados de convincencia.

[47]  Que rompe con el estaticismo renacentista de BERROCCHIO y DONATELLO. Muestra concentración, jovialidad, y el empuje del lanzamiento.

[48]  Que afirma la fe pura, la emoción sublime. Supuso la consagración a todos los trabajos arqueológicos que se estaban descubriendo sobre la santa.

[49]  Que consigue hacer natural su sonrisa en los labios, dar inmediatez mediante el botón de la sotana descosido… y romper el idealismo clasicista clerical.

[50]  Que consigue hacer carne a la piedra, dar inmediatez mediante el botón de la blusa desabrochado… y representar el rostro de su secreta amante romana.

[51] Alegoría desnuda y sin tapujos.

[52]  Que muestra la flecha en su corazón, y la gran devoción de la familia CORNARO hacia la santa. Complejo arquitectónico, escultórico y pictórico que también añade:

-retablos de piedra,
-columnas salientes,
-balcones con casetones y esculturas asomándose por el balcón,
-combinación de color en los mármoles,
-función expresiva de los paños,

-éxtasis de la santa,
-ángel sonriente.

[53] Ultimo encargo fuera del Vaticano, sobre un obelisco egipcio que BERNINI deja como flotando en el aire. Con tamaños de 3 veces el natural.

[54] Detrás del Baldaquino, con un único foco de luz en la paloma del Espíritu Santo (que da sobre la cátedra del sucesor de San Pedro). Incluye la figura de los Padres de la Iglesia.

[55] De ahí su futura enemistad hacia BERNINI, gran capataz y máximo jefe artístico de la ciudad de Roma.

[56] La 1ª vez que se produce en la historia del Arte.

[57] Perspectiva ficticia.

[58] De los Padres Trinitarios descalzos, establecidos en Roma en 1611, y que empezaron a levantar en Roma la Iglesia más representativa de su Orden. Se trataba de aprovechar un espacio reducido, que daba a la esquina de una calle.

[59] Integrada por: 1 cruz + 1 octógono + 1 óvalo, en una unidad indivisible.

[60] Con 3 vanos, columnas, paredes y columnitas.

[61] Destacando:

-en el 1º nivel, 16 columnas monumentales, que dividen irregularmente el espacio,
-en el 2º nivel, entablamento de curvas-contracurvas, y pechinas con medallones,
-en el 3º nivel, cúpula a la manera lombarda (sin tambor, inmaterial, y como suspendida en el aire).

[62] Al igual que poseía la Catedral de Milán, en la que él trabajó.

[63] No con la típica piedra travertina (amarillenta, caliza y porosa, típica en la zona de Roma).

[64] Sede de la universidad romana, cuyo patio había levantado JACOPPO DELLA PORTA, y cuyo Patrón de Derecho (Sant Ivo) presidía el centro estudiantil.

[65] Símbolo de la sabiduría salomónica.

[66] Como los de “el temor de Dios, inicio de la Sabiduría”.

[67] Provocados por unas planchas de acero que recibían la luz que bajaba de las ventanas de la bóveda (a imitación de BERNINI).

[68] Que daban movimiento a las paredes, hornacinas, balaustradas...

[69] Años con los que empezó a trabajar para el duque FILIBERTO DE SABOYA.

[70] Mediante grandes avenidas que posibilitaran la disolución de motines, lugares de guarnición en puntos estratégicos de la ciudad, y hasta las plazas fuertes que rodeaban a todo palacio real en el interior de la ciudad.

             Fue el momento en que los Tratados de fortificación dejaron ya de planificar murallas defensivas hacia el exterior, para ceñirse a la experiencia de contiendas internas ciudadanas. Se abandonaron los modelos cuatrocentistas, e incluso se destrozaron casi todos los núcleos medievales de las principales capitales europeas. Además, las murallas impedían muchas veces el crecimiento gigantesco de la ciudad, y la llegada masiva de ciudadanos a la capital.

[71] Ya ENRIQUE IV DE FRANCIA había ejecutado una reforma del aparato burocrático parisino, como medio para reconvertir las grandes fortunas privadas y salir así de la crisis económica que se estaba viviendo. Esto potenció la aparición de nuevos barrios y un fuerte movimiento especulativo, pero desahogó a una población que pasó a duplicarse en pocos años.

[72] Como los presentados por:

-HOOK, y sus planos en forma de damero,
-EVELYN, y sus planos de planta jardín y alrededores transversales,
-WREN, y sus planos de grandes avenidas radiales, entre plaza y plaza radiocéntrica,
-MANSART, y sus planos de grandes avenidas desde un arco triunfal.

[73] Salvo en Inglaterra, donde se constituyeron las plazas en torno a los centros de poder económicos.

[74] Salvo en Francia, donde una estatua del rey debía presidir la plaza. Lo que hizo que en todas las ciudades francesas surgiese un gran espíritu nacional.

[75] Salvo en España, donde la Plaza Mayor de Madrid se desarrolló con total independencia al resto de Europa, a especie de combinar la plaza regular italiana con la plaza cívica flamenca. Y es que la Plaza española acabó convirtiéndose en un centro de mercado, reuniones y convivencia cívica.

[76] Con unas características esencialmente del clásico barroco:

-perspectiva monumental,
-línea recta,
-uniformidad de proyecto y realización.

[77] Que servían para las entradas oficiales del rey en cada una de sus visitas a las ciudades y villas de su nación.

            No obstante, también tuvieron el componente psicológico de:

-hacer patentes los privilegios y concesiones del rey a la ciudad,
-hacer ver al nuevo rey llegado la franquicia ciudadana que debía respetar,
-inculcar a los súbditos ciudadanos una serie de modelos morales, por medio de la mitología y recuerdos de la historia.

[78] De gran clasicismo en los:

-elementos decorativos y recursos escenográficos,
-continuidad interior-exterior,
-núcleos arquitectónicos secundarios, a forma de alas adosadas,
-extensiones limitadas, en torno a límites formados por círculos.

            Y es que fue en Italia donde surgieron las tendencias renovadoras, y porque los más destacados artistas del mundo eran italianos.

[79] Que envió a VELAZQUEZ a Italia para comprar masivamente obras de arte.

[80] Que compró masivamente obras de arte veneciano, aparte de intentar atraer a Londres a los artistas italianos.

[81] Que envió a sus arquitectos a Italia para perfeccionar su arte.

[82] Que intentó reformar París sin recurrir a los modelos italianos, pero que acabó viendo todo el influjo italiano metido en su fundacional Escuela de Fointenebleau.

[83] Que llevó directamente al Vaticano a los mejores artistas italianos: BERNINI, BORROMINI, CORTONA, POUSSIN, GUERZINO…

[84] Jardín con total independencia respecto al palacio real, y en el que se incluían elementos sorpresivos y autónomos.

[85] Frente a la perspectiva italiana de BERNINI, que carecía de punto de vista único.

[86] En esculturas, arquitecturas, jardines, apartamentos del rey, patio de honor…

[87] Como en los palacios reales de Munich, Postdam, Würzburg, Viena.

[88] Al contrario que en Francia, donde LUIS XIV DE FRANCIA se vanagloriaba del acceso fácil y libre de los súbditos a la Corona.

[89] Que debía manifestar la grandeza de la capital, como nueva Roma que cobija al rey, como nueva Roma deseada y planificada por el rey.

[90] Encargadas adornar a artistas cotizados, dada la importancia que suponía en la vida cortesana. De ahí que acabasen estas fiestas en auténticos teatros de realidad, ficción, escenografías…

[91] En torno al cual giran sus astros menores Venus, Diana, Mercurio, Marte y Apolo.

             No obstante, se trata de una iconografía que no pasa del campo metafórico, sin dar el paso a la divinización real. Eso sí, al igual que el Sol, los efectos del rey son beneficiosos, su presencia es inmediata, y su muerte significa el ocaso y oscuridad.

[92] Diferenciado del resto de los mortales, como figura superior al resto de sus súbditos.

[93] Cuya hermosura del cuerpo es un requisito previo para que creciera en ella la virtud, y para que pudiera mover las voluntades y fidelidades a su persona.

[94] Mediante la técnica del parecido, en fidelidad escrupulosa al modelo, pero con las posibilidades de:

-dotar al rey de actitudes elegantes,
-resaltar los atributos del rey.

[95] Como eran:

-la mesa, de la justicia,
-el trono, del gobierno,
-el espejo, de la prudencia,
-la corona sobre la mesa,
-el cortinaje y la columna.

[96] Aunque el comercio de retratos ecuestres quedó restringido al ámbito de la nobleza

[97] Pues Francia había quedado empobrecida económica y cultural como consecuencia de guerras in-interrumpidas durante 40 años. Y esto había que levantarlo.

[98] En torno a sus terrazas, fuentes, casinos y grutas.

[99] En torno a sus parterres.

[100] Salvo en el caso del Palacio de Versalles, donde se convierte la primitiva residencia de recreo en la sede del aparato de gobierno francés.

[101] Francés por excelencia.

[102] Pues el jardín barroco no tuvo la finalidad de recreo, paseo, galantería o descanso renacentista, ni tampoco la de lugar de reuniones académicas. Tuvo la finalidad de grandes fiestas propagandísticas de la monarquía, aparte de aportar una visión ostentosa de la realeza.

[103] Biografiado por:

-JULIO MANCINI, médico del papa URBANO VIII, en su Considerazioni sulla Pittura-1630,
-GIOVANNI PIETRO BELLORI en su Vite de Pittori, escultori et architeti moderni-1672,
-CARLO CESARE MALVASIA en su Felsina Pittrice-1678, sobre la historia de la pintura en la etrusca Felsina-Bolonia.

[104] Al que algunos apodaban como el “Anticristo del Arte”.

[105] Auténtica joya del Barroco, donde CARRACCI pintó el techo del Camerino con las historias de Hércules, a instancias del cardenal ODOARDO FARNESIO, y con la inspiración que le produjo la Capilla Sixtina del Vaticano de MIGUEL ANGEL.

[106] Cuyos murales se conservan hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[107] Por influjo de VINCENZO CAMPI (Cremona 1536-Cremona 1591), que en su Vendedora de frutas-1580, de gran impronta sexual moralizante, introdujo en Italia las escenas de cocina flamenca del s. XVI, con gran interés natural por las gallineras, pescaderas…

            Influjo de CAMPI que llegó a los CARRACCI a través de PASSAROTTI, a nivel de empezar a caricaturizar bodegones y personajes.

            Escenas de mercado que ya habían empezado a sucederse en Flandes, por obra de PIETER AERTSEN (Amsterdam-1508-Amsterdam 1575) en su Bodegón con la huida a Egipto-1560 (con la cabeza de vaca cortada y mirando al espectador).

[108] De las que fue su inventor, con humor incorporado y un bloc de notas sobre personajes.

[109] Con autonomía propia, a forma de weltlandschaft-vista de pájaro sobre el mundo.

[110] Lit. de país, de pintar un país.

[111] Cuando ANNIBALE y su hermano AGOSTINO deciden ir a conocer Roma.

             Donde estudian la Capilla Sixtina del Vaticano, la estatuaria clásica, las Stanzas vaticanas de RAFAEL, las loggias-pasillos vaticanos, el tardo-manierismo romano, los restos arqueológicos…

[112] Por invitación expresa de ODOARDO FARNESIO (hijo del gran ALEJANDRO FARNESIO, y cardenal con 20 años y grandes proyectos políticos), que decide alojarlo en su propio palacio personal (con manutención incluida), pidiéndole a cambio que decorase su estudio (donde los Farnesio guardan su Toro farnesio y Hércules Farnesio).

[113] LUDOVICO CARRACCI (1555-1619), que ejerció las tareas directivas de la Academia, convocando concursos, premios…

[114] AGOSTINO CARRACCI (1557-1602), que asumió las especialidades de arquitectura y escultura. Y que compuso una Teoría del Arte, poesía y música para dar intelectualidad a la Academia. Era el más extrovertido de los tres.

[115] ANNIBALE CARRACCI (1560-1609), que asumió las especialidades de pintura. Era el más introvertido y perfeccionista.

[116] Nivel 1º de estudios en la carrera de Arte. Pues de ese 1º grado de los Desirosi se pasaba al 2º grado de los Estudiosi, y al 3º grado de los Utili.

[117] A forma de progresistas.

[118] Encarnado en CAMILO PROCACCINI (Bolonia 1551-Milán 1629), PROSPERO FONTANA (Bolonia 1512-Bolonia 1597), DENIS CALVAERT (Brujas 1540-Bolonia 1619), BARTOLOMEO PASSAROTTI (Bolonia 1529-Bolonia 1592) y BARTOLOMEO CESI (Bolonia 1556-Bolonia 1629).

[119] Junto al aprendizaje de las obras de RAFAEL SANZIO.

[120] Algo muy distinto a lo que es el tenebrismo.

[121] Con moldes de escayola, esqueletos y copias de esculturas que sirvieron de modelos reales.

[122] Como nueva manera de entender el momento presente (a nivel religioso, artístico…). Pero siempre tendiendo a una fe sencilla.

[123] Mediante lo verosímil.

[124] Distinta a la Carnicería-1580 del Museo Kimbell de Texas (donde uno de los 2 carniceros está mirando de frente al espectador).

[125] Con total paralelismo con el Sacrificio de Noé de RAFAEL, que CARRACCI pudo haber contemplado en las estancias vaticanas (y donde un chico joven mataba un carnero).

[126] Destripando totalmente la vaca (como él había aprendido en la carnicería de su padre).

[127] Mostradora del instante (en este caso las migas de pan).

[128] Sin remate en la capa pictórica.

[129] Espontaneidad abofetada que significa no estar acabada.

[130] Flanqueado por 3 figuras a la izquierda, y 3 figuras a la derecha. Donde un santo (el que sólo muestra la cabeza) recibe un insólito rayo de luz.

[131] FEDERICO BAROCCI (Urbino 1535-Urbino 1612), de Barroco ya total, en color, luz, volúmenes a través del color, filosofía tridentina, esfumatos… y que casi siempre trabajó en la Iglesia Santa María Supraminerva de Roma.

[132] Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de venecianos.

[133] Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de venecianos.

[134] Cuya temática fue seleccionada por FULVIO ORSINI (bibliotecario de los FARNESIO) y GIOVANNI BATTISTA AGUCCHI (secretario del cardenal ALDOBRANDINI, futuro papa CLEMENTE VIII), decantándose por la virtud clásica y los 3 tipos de amor (a través de los dioses del Olimpo).

[135] Palacio iniciado por ANTONIO DA SANGALLO en 1514, y dado por terminado por GIACOMO DELLA PORTA en 1589.

            Y cuyo Camerino consistía en una pequeña Stanza, de reducidas dimensiones y con un marco gigante y fingido en el centro de la bóveda de cañón (junto a frisos fingidos a su alrededor, con medallones, y por influjo de la cuadratura vaticana).

            Se trataba de que CARRACCI (junto a la colaboración de DOMENICHINO y otros, y emulando la pintura vaticana de MIGUEL ANGEL) decorara una gran escena principal (al lienzo), rodeada de quadri riportati ilusionistas (al fresco, sobre frisos decorados en bronce, a llenar de Hermes y Atlantes, jóvenes desnudos y amorcillos lúdicos…).

[136] Siendo:

-cuadratura = marco de cada quadri riportati,
-quadri riportati = espacios arquitectónicos ficticios, para pintar dentro.

[137] Donde Hércules se debate entre seguir:

-el camino del placer, el de la mujer desnuda derecha,
-el camino de la virtud, el del camino estrecho de la izquierda.

[138] Pues lo que hoy se conserva en el techo original del Palacio Farnesio de Roma es una copia.

[139] Recordando la historia en la que:

-Ariadna, hija del rey Minos, había dado el hilo a Teseo para salir del laberinto minoico,
-Teseo, hijo del rey Egeo, había abandonado a Ariadna en la isla de Naxos,
-Baco, dios del vino, encuentra a Ariadna llorando en la isla, y se casa con ella.

[140] Como son:

-María Magdalena, penitente, arriba a la izquierda,
-San Eduardo el Confesor, rey de Inglaterra, arriba a la derecha,
-San Hermenegildo, rey de Toledo, abajo a la izquierda,
-Odoardo Farnesio, su donante, abajo a la derecha.

[141] Andando a rastras con 2 trozos de madera (a forma de paralítico), y pidiendo limosna.

[142] Encargada por el cardenal ODOARDO FARNESIO.

[143] En los rostros, manos, señales de dedo de los ángeles…

[144] Sin filosofar, y sí representando los affetti-emociones del alma.

[145] Diminuta y prototípica capilla del s. XVII, costeada por TIBERIO CERASI (funcionario de la Curia romana).

[146] Que había pintado 2 cuadros tenebristas para la misma Capilla, y que ahora flanqueaban la obra de CARRACCI para ser contrastados por el público.

[147] Encargado por el cardenal IPPOLITO ALDOBRANDINI (futuro papa CLEMENTE VIII), que pidió 6 lunetos como éste.

[148] Sobre las ruinas arqueológicas (que muestran la fugacidad de la construcción humana, tema que retomará el romanticismo del s. XIX), y sobre la Pirámide Cestia de Roma (de CAYO CESTIO EPULON, 36m. alto x 30 m. ancho, que se edificó en el 12 a.C. junto a la Puerta extramuros para enterrarse allí).

[149] Pues hay más masa cromática a la derecha que a la izquierda, por ejemplo.

[150] En la forma en que crecen los árboles.

[151] Tratando de transmitir lo intangible y no comunicable, a través de las tonalidades del paisaje.

[152] Sobre peñones, que no los dejarían crecer.

[153] Para enmarcar la escena, y marcar los puntos de distancia.

[154] No intacta.

[155] No salvaje.

[156] Por la presencia del hombre.

[157] No ya como mera retórica.

[158] Llamado así, Pequeño Domingo, por su estatura.

[159] Hoy en la Iglesia San Luis de los Franceses de Roma, con gran influencia del Expulsión de Heliodoro de RAFAEL, y extensa narrativa sobre la vida de la mártir.

[160] Hoy en la Pinacoteca Vaticana de Roma, casi copia de la de LUDOVICO CARRACCI, aunque con mayor idealismo.

[161] Hoy en la Galería Borghese de Roma, con figuras que miran al espectador, gestos en las manos y gran retórica general (que busca la belleza).

[162] Para lo que tenía numerosos moldes con ojos mirando al cielo.

[163] Por dejarse ver con su compañera de trabajo y sentimental ELISABETTA SIRANI.

[164] Hoy en la Pinacoteca Nacional de Bolonia, con niveles expresivos, pathos constantes, escorzos y cielo al fondo.

[165] Hoy en la Pinacoteca Nacional de Bolonia, con cuerpo de estatuaria griega alargada, para reflejar al héroe.

[166] Hoy en el Palacio Pallavicini de Roma, en cuadro riportato al fresco, y algo de viejo renacimiento y manierismo.

[167] Hoy en el Museo del Prado de Madrid, donde Atalanta rechaza a sus pretendientes, y convoca una carrera para deshacerse de los perdedores (tirando una manzana al suelo a Hipomenes, para que se entretenga y no venza).

[168] Hoy en el Museo Louvre de París.

[169] Apodado así porque estaba bizco.

[170] Siendo visitado por el mismo DIEGO DE VELAZQUEZ en su casa de Ferrara.

[171] El museo más antiguo del mundo, fundado por el papa SIXTO IV en 1471, y donado siglos después por el Vaticano para la ciudad de Roma.

[172] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma, la obra más famosa de GUERCINO.

[173] Hoy en el Palacio Borghese de Roma.

[174] Como la de la Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma.

[175] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[176] Pues no tenía la experiencia ni hondura suficiente como para reflejar la figura de San Pedro, o el arrepentimiento de la Magdalena, o la seriedad de San Juan Bautista (a los que pintaba como otros jóvenes callejeros más). De hecho, el clero romano le censuró, retiró e hizo volver a repetir la mayoría de sus temáticas religiosas.

[177] Por la denuncia que le puso GIOVANNI BAGLIONE, también pintor del entorno romano.

[178] De hecho, a Roma llegó la noticia de que lo habían matado.

[179] En el Palacio Borghese de Roma.

[180] Como fue el caso de OTTAVIO LEONI, en su Retrato de Caravaggio.

[181] Donde su estilo todavía conservaba las características de:

-luz clara, sin apenas sombras,
-colorido brillante, y gusto por el blanco,
-dibujo claro y preciso, con contornos escrupulosos y perfectos,
-escenas de género, con bodegones ocupando el papel central,
-composiciones con 1 ó 2 personajes, adolescentes de medio cuerpo y aspecto sexual ambiguo.

[182] Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte juvenil.

[183] Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte juvenil (salvo las 3 últimas).

[184] Cuadro del que se dice que pintó CARAVAGGIO su propio rostro y temperamento (pues no representa al Baco mitológico tradicional, sino a otra persona muy concreta). Destaca en él:

-dibujo pulido y preciso,
-representación escrupulosa de la realidad,
-escorzo en el hombro,
-inmediatez (anti-mito manierista),
-colores brillantes y trasparentes, casi sin sombras (no como el colorito veneciano),
-parapeto-mesa lleno de fruta y vino,
-corona de hojas de vid secas, en la cabeza de Baco,
-un Baco mórbido, andrógino, carnal, bien comido, algo basto.

[185] Como escudo cuya mirada petrificaba al enemigo (de ahí que el mundo clásico la pusiera en las fachadas). Y con las serpientes en el pelo (que remite a las clásicas máscaras griegas de la tragedia).

[186] Hoy en el Instituto de Arte de Chicago. Destaca por sus flechas partidas y paloma volando.

[187] CARAVAGGIO había prometido una pintura sobre el tema a MANCINI, coincidiendo con el momento en que el cardenal DEL MONTE se llevó consigo al genio milanés. Así, MANCINI tuvo que encargar la obra a MANFREDI.

[188] Invento del pintor alemán afincado en Roma, ADAM ELSHEIMER.

[189] Hoy en la Iglesia Santa María del Anima de Roma, de los alemanes y norteños holandeses. Donde se aprecia fondos no oscuros, telas sin tenebrismo, gradación cromática rica, tipos faciales muy repasados.

[190] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma.

[191] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[192] Hoy en la Galería Barberini de Roma, donde ya se aprecia la última etapa de su vida: el clasicismo armónico de RAFAEL (sin perder el naturalismo de CARAVAGGIO).

[193] Hoy en el Palacio Pitti de Florencia. De fondo oscuro y tenebrista, medias figuras, figuras reflexivas y apacibles, sin el drama grotesco.

[194] Hoy en el Museo del Prado de Madrid, de la que se hicieron varias copias y variantes. De figuras sólidas, naturalistas pero apacibles, sobre fondos tenebristas.

[195] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.

[196] Hoy en el Museo Louvre de París.

[197] Hoy en la Galería Nacional de Arte de Roma.

[198] Influyendo en JUAN BAUTISTA MAINO.

[199] Influyendo en SIMON BUE

[200] ARTEMISA GENTILESCHI, autora de una Judit y Holofernes que sigue el estilo de su padre.

[201] Hoy en la Galería Sabauda de Turín, por encargo de CARLOS MANUEL DE SABOYA.

[202] Hoy en el Museo del Prado de Madrid. Con tornasolados, rigidez de figuras…

[203] Donde prima la línea y el color por igual (por influjo de RAFAEL y TIZIANO), y figuras con peso específico.

[204] Al fresco y siguiendo el programa iconográfico del poeta FRANCESCO BRACIOLINI. Destaca por su:

-superación de todas las obras anteriores del mismo género,
-técnica del sotto in su, desde abajo mirando hacia arriba,
-la cuadratura arquitectónica fingida (con estucos fingidos, guirnaldas y medallones a forma de quadri riportati…),
-combinación de personajes por detrás y delante, y hasta escondiendo lo arquitectónico,
-el color de VERONES,
-alegoría de Cronos y Parkas, junto a muchos atlantes en las pechinas,
-1 corona de laurel, con las virtudes teologales,
-1 corona de la inmortalidad, sobre los BARBERINI.  

[205] Hoy en la Iglesia Gesu de Roma, sobre bóveda de cañón. Rompe literalmente el techo de la Iglesia, con figuras que salen volando hacia el cielo.

[206] Hoy en la Iglesia San Ignacio de Roma, donde muestra arquitecturas coherentes, completamente proyectadas hacia el cielo infinito, entre asombrosos efectos de la perspectiva.

[207] Siendo enviado a muchos conflictos, para mediar en muchos procesos de pacificación.

[208] Con encargos que le llegaban de CARLOS I DE INGLATERRA, FELIPE IV DE ESPAÑA…

[209] Recibiendo el permiso de ISABEL CLARA EUGENIA DE ESPAÑA a guardar sigilo profesional, sin descifrar sus secretos y conocimientos internos.

[210] Evitando la sensación pétrea de la estatuaria clásica, y haciendo que la sangre fluyera por las venas de los personajes.

[211] Con el matrimonio entre JUANA I DE ESPAÑA y FELIPE I DE HABSBURGO.

[212] Con el Tratado de Utrecht, que puso fin a la casa de los HABSBURGO en España, y cedió a la casa austriaca los derechos sobre los territorios flamencos.

[213] Donde:

-Marte abre el templo de Jano, y sale con su espada ensangrentada amenazando a todos los pueblos,
-Venus intenta retener a su esposo Marte, para evitar la guerra.

[214] Dada la cualidad católica de Flandes. Una Flandes católica que nunca perdió los valores trascendentales, y que nunca se economizó y comercializó tanto como Holanda.

[215] Dada la cualidad protestante de Holanda.

[216] De riqueza, comercio… Y es que dentro de la respiración calvinista, los burgueses se movían mejor que los aristócratas, y tenían a gala ser la vanguardia del comercio artístico.

[217] Que ofrecían la resistencia de Holanda frente a todo invasor extranjero.

[218] Hoy en el Museo de la Haya.

[219] Hoy en el Museo Rijks de Amsterdam, sobre la milicia ciudadana.

[220] Hoy en el Museo K. House de Londres.

[221] Hoy en el Museo Frans Hals de Haarlem.

[222] Eso sí, con un matiz de realidad pasajera y fugaz, que crea nostalgia.

[223] Hoy en el Museo Metropolitano de New York.

[224] Hoy en el Museo Estatal de Arte de Karlsruhe.

[225] Hoy en el Museo Rijks de Amsterdam.

[226] Y el que sigue ejerciendo mayor influencia en el arte francés actual del s. XXI.

[227] Salvo cuando fue requerido por el cardenal RICHELIEU para pintar en la Corte de LUIS XIII DE FRANCIA.