MESA DE COCINA DE CEZANNE

a) Arte post-impresionista

b) Pintura post-impresionista

c) Cezanne

d) Pintura de Mesa de Cocina de Cezanne

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a) Arte post-impresionista

            Quedó patente como fenómeno independiente del Impresionismo en:

-la VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en las obras de Signac y Redond[1],

-la VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,

-el De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899 de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del neo-impresionismo[2].

            Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3]. Lo que la crítica empezó a ver con buena recepción pública[4], ya que este nuevo Impresionismo[5] mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni metiéndose en abstracciones sin sentido.

Tuvo como factores remotos que motivaron su aparición:

-la Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[6],

-la Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[7],

-la crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[8].

            Aunque su factor próximo tuvo que ver con la propia crisis impresionista, desgasta por:

-los comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9] sobre lo que él antes había defendido[10],

-los escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están superando la crisis impresionista,

-las enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,

-la huida de impresionistas de París, y su abandono del término “impresionismo”,

-el haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad de la luz.

            Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11] a 1900[12], bajo obras que se vendían en las galerías y tiendas como impresionistas[13], pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.

            Se desarrolló en colaboración con el belga Grupo de los XX[14], así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años

Hasta que Roger Fry acuñó su término en su Monet y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:

-buscar un método racional, científico y desapasionado,

-provocar emociones y sentimientos,

-recuperar la temática religiosa, histórica, literaria,

-optar por las opciones orientales, primitivas, medievales,

-superar las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,

-armonizar la línea y color[15],

-liberalizar el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,

-superar las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,

-superar la impresionista luz natural y contemporánea,

-obviar los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad…

b) Pintura post-impresionista

            Trató de presentar una ordenación meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen, orden, claridad.

            Así, y a diferencia del Impresionismo:

-hace reconocibles las temáticas y motivos,

-elabora las obras en el estudio, y no al aire libre,

-somete la intuición a disciplina,

-convierte la impresión en rigor académico, matemático y normativo[16],

-precisa y concisa la pincelada,

-distribuye milimétricamente la suma de puntos a pintar,

-elimina los marcos dorados por marcos blancos[17].

b.1) Ley de colores de Chevreul

            Fue forjada en su Principios de Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la pintura[18], y en torno a la división de colores en:

-primarios: el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,

-secundarios: el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[19],

-complementario: blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores[20],

            así como entre:

-cálidos: amarillo, naranja, rojo,

-fríos: verde, azul, violeta.

            Parte de la demostración de que el ojo:

-percibe el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,

-exige o crea el color complementario, de cada color que está viendo.

Y viene a concluir que la teoría del contraste simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean entre ellos reacciones complementarias:

-armoniosas, si se juntan colores contiguos del círculo cromático,

-contrastadas, si se juntan colores secundarios entre sí[21].

b.2) Técnica puntillista de Charles Blanc

            Fue forjada en su Gramática de las Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22], y en torno a la idea de que:

-el color está compuesto por una serie de puntos divididos,

-cada punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.

            Además, la experiencia enseña que:

-hay relaciones físicas entre los colores,

-las leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,

-los matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,

-la mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[23].

b.3) Efectos psicológicos de Charles Henry

            Fue forjada en su Introducción a la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes de la naturaleza mediante fórmulas pseudo-científicas[24], todas ellas provenientes de la psicología del espectador.

            Así, cada dirección de una línea proyecta un estado sentimental, como se ve en:

-la alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y abajo-arriba,

-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.

c) Cezanne

            Paul Cezanne (Aix-1839-París 1906) fue el padre de la pintura actual, dando por superado el Impresionismo e introduciendo a la historia del Arte en la abstracción.

            Durante su etapa en Aix, de 1839 a 1862, estudió en una Academia suiza que le enseñó a trabajar con modelos del natural, así como por su cuenta descubrió la obra de Caravaggio y Velázquez. No obstante, fue rechazado en su examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes de París, y empezó a trabajar en el banco de su padre.

            Durante su etapa en París, de 1862 a 1878, decidió consagrarse por su cuenta al arte, entablando amistad con Pissarro[25], conociendo todas las exposiciones artísticas, entrando en los círculos más radicales parisinos[26] y entablando una relación con Ortensia. Empezó a pintar y enviar sus obras al Salón de París, el cual las rechazó año tras año[27]. Pasó poco a poco de los colores oscuros a los brillantes, así como a las temáticas rurales. Pero las críticas seguían arreciando, y el fracaso parisino también.

            Durante su etapa en Provenza, de 1878 a 1906, trabajó en un estudio que su padre le construyó en L’Estaque, y empezó a independizarse de todas las tendencias parisinas que antes había seguido. Vuelve al catolicismo en 1891, y es visitado por Renoir con la noticia de que una obra suya ha sido expuesta en el Salón de París[28]. Seguidamente viene a vivir con él Monet y Boyard, empieza a pintar al aire libre[29], y a usar pegadas pictóricas de colores[30], tanto para paisajes como para bodegones[31].

            Hasta que en 1895 se desprende de sus parches de color y empieza a pintar capas finas de pintura con acuarela, para quitar el brillo, dejar la pieza mate y resaltar la planitud del cuadro[32]. En 1905 alcanza un enorme prestigio, y en Aix comienza a recibir visitas. Pues Cezanne se había convertido en el puente entre el post-impresionismo y el cubismo.

d) Pintura de Mesa de Cocina de Cezanne

Fue pintada por Cezanne en 1888, permaneciendo hoy en el Museo d’Orsay de París. En ella se aprecia:

-temática renacentista[33],

-composición distorsionada[34] y no real[35],

-planitud,

-puntos de vista diferentes[36], a forma de ventana alta[37].

ed. Mercaba

Diócesis de Cartagena-Murcia

Indice general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm

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[1] Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).

[2] Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas (que daban mayor orden a la composición).

[3] Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.

[4] En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado rígidas.

[5] Tildado por FELIX FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado (aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).

[6] Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos de GUILLERMO I DE PRUSIA.

[7] En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.

[8] Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.

[9] Mediante su Obra-1880, novela sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que pinta para hacerse reconocer”.

[10] Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los impresionistas.

[11] Momento de la 8ª y última exposición impresionista.

[12] Momento en que surgen las nuevas vanguardias.

[13] Gracias a los merchantes DURAND RUELL, GEORGES PETIT y AMBROISE VOLLARD, contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.

[14] Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que decidieron desde entonces:

-crear su propio grupo artístico,

-abrir un foro de discusión artística,

-invitar a otros artistas a exponer en sus exposiciones,

-fundar y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.

[15] Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas, neo-impresionistas…

[16] Aunque resulte más artificial.

[17] Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte integrante de la pintura.

[18] Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues “un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía GEORGE PIERRE SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde, resulta más intenso).

[19] En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio blanco, éste se ve verde).

[20] Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco (como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7 colores que al girar rápido era visto blanco al completo).

                No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero no lo consiga del todo.

[21] Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la retina del ojo.

[22] Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de azul ultramar).

                No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.

[23] Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por el ojo, desde la distancia.

[24] Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.

[25] Del que llegó a decir que no sólo era su maestro, sino “Dios Padre de todos nosotros”.

[26] A expensas de su padre, que le pasaba todos los meses una pensión de 300 francos.

[27] Por no respetar la perspectiva ni corrección anatómica, y situarse en el límite de lo grotesco.

[28] Aunque él prefiere ya en adelante seguir exponiendo con el Grupo de los XX.

[29] Sobre todo en la montaña de Sainte Victoire, siempre tratando de evitar introducir nada previo a la observación, y muchas veces tras haber estado varios meses trabajando en la misma vista.

[30] Hasta llegar al grado de la fractura constructiva, y siempre de izquierda a derecha (salvo en el cielo y el agua).

Se trata de pinceladas que moldean las figuras, unifican la superficie pictórica y le dan planitud superficial. No modela los cuerpos mediante el degradado continuo de tonos, sino a base de manchas sueltas (o “parches” de color, por todos lados iguales y en la misma dirección). Así, las formas aparecen como talladas sobre un plano.

[31] Género más idóneo para el lento trabajo de Cezanne, para ir percibiendo el movimiento de los objetos y dar una estabilidad final a la obra.

                Unos bodegones en los que CEZANNE demostrará que todo se puede hacer sin blancos ni negros (pues no se trata de modular cuerpos, sino de modelarlos). Además de demostrar que la sombra y la luz pueden ser sugeridas por medio del azul y amarillo (pues “la novedad está en la manera de mirar, y en que las cosas existen por el color”, acabará diciendo el artista).

[32] Además de dejar espacios en blanco para rellenar más adelante.

[33] El de un bodegón.

[34] Afectando:

-1 distorsión a los objetos, pues la fruta es mucho más grande a la derecha que a la izquierda,

-1 distorsión a la perspectiva, pues el borde de la mesa está más elevado a un lado que a otro.

                Lo cual era fruto de sus experimentos, al ver la situación con un solo ojo o con los dos.

[35] Pues quiebra los espacios de cada cuerpo, a forma de espacios propios para cada cuerpo.

[36] En concreto, dos:

-1 superior, viendo la cesta desde abajo (el del ojo izquierdo),

-1 inferior, viendo la cerámica desde arriba (el del ojo derecho).

[37] Para particularizar cada objeto. Es lo que ocurre con el mantel, que aparece plano en el 1º plano, como si no estuviese doblado.