HOGAR
DE OLDENBURG
b) Pintura pop
c) Oldenburg
d) Pintura del Hogar de Oldenburg
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Nació
en 1955 en Estados Unidos, como reacción al expresionismo abstracto
norteamericano[1]
y como arte que recogía los nuevos símbolos
del país[2],
así como la vida y
objetos cotidianos y comunes de la sociedad[3].
Vivió
el boom de los
60, en medio de una oleada de prosperidad económica que hacía que
la gente olvidara la posguerra y se ilusionara en un mundo maravilloso, en que
todo el mundo era feliz y capaz de consumir.
Creó
división de
opiniones. Pues para muchos supuso un movimiento atrayente[4]
y cercano[5],
pero para otros supuso:
-una
tomadura de pelo, respecto a la gente común y sus vidas privadas,
-rebajar
la cultura artística, a lo más barato de la sociedad.
Su
término
proviene de la abreviatura inglesa pop
utilizada por Alloway, director del Museo Guggenheim
de New York, al hablar del nuevo estilo del Popular Art.
Recibió
influencias
de:
-los
neodadaístas, que habían empezado a hacer fotomontajes con imágenes
banales,
-la
publicidad, que prometía que todo podía ser posible.
Ejerció influencias sobre:
-el
arte conceptual, de Bárbara Kruger[6],
-la
escultura contemporánea, de Jeff Koons[7].
Hubo
2 tipos de
Arte pop:
-populismo
norteamericano, donde destacaron Warhol, Lichtenstein y Oldenburg,
-populismo
británico, donde destacaron Hamilton y Hockney.
Se
trata de una pintura formalista y
fría, que rehuye la expresión íntima de los artistas, elimina las
emociones personales y desprecia cualquier vestigio de pensamiento humano. No va
dirigida directamente al pueblo, sino que toma del pueblo sus temáticas.
Impone
una estética común en el arte y en la calle, pero de forma trivial, reflejo
de la ciudad y ajena a la naturaleza.
Muestra
un talante optimista,
vital, sobre un mundo feliz y libre en que todo es posible, y un futuro todavía
más prometedor. Trata de hacer ver que cualquiera es capaz de cualquier cosa,
incitando a que todos intenten hacer de todo.
Utiliza
los nuevos materiales
de los años 60, tales como pinturas acrílicas, plásticos, fotografías,
colores fluorescentes, pinturas metálicas... todos ellos no habituales para la
pintura de caballete, sino para la calle y la ciudad[8].
Opta
por composiciones
adaptadas a los diseños comerciales, con bordes marcados para carteleras,
murales, revistas, diarios...
Difumina
la línea entre las bellas artes y el diseño, como forma de reivindicar una nueva
forma de comunicación artística.
c)
Oldenburg
Escultor
sueco, Claes Oldenburg (1929- ) fue el primero en declarar que el Arte pop
constituía el primer arte propio de los Estados Unidos[9].
Desarrolló
su vida
laboral como reportero para el Art Institute de Chicago. En 1959
realizó su primera exposición individual en la Galería Hudson de New York, haciéndose famoso por sus esculturas blandas.
En 1961 abrió la Galería The Store
de New York, donde vendía réplicas en escayola pintada de alimentos y objetos
domésticos. Tuvo mucho éxito, por lo que pronto empezó a hacer esos objetos
en grandes dimensiones.
Su
obra escultórica
utilizó materiales tan novedosos como el vinilo (al que inyectaba espuma de
caucho) y muselina (arpilleras empapadas en escayola y pintadas con esmalte), y
rellenó todas sus esculturas con goma espuma (para que estuvieran encerrada su
forma bajo un material rígido). Trató de convertir cualquier objeto en un símbolo
de la época, rebasando sus funciones y significados habituales.
d) Pintura del Hogar de Oldenburg
Fue pintado por Oldenburg en 1974.
Se trata de una obra de carácter social, y por ello fue expuesta en la calle.
Su tamaño y la conversión del material (blando en duro y viceversa) tratan de dotar de nueva vida a los objetos cotidianos de un hogar, trastocando así el concepto de escultura tradicional[10].
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
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[1]
Como defendía BERG, al concluir que “los artistas pop hicieron imágenes
que cualquier persona de la calle podía reconocer en un segundo… y todas
aquellas cosas fantásticas de la modernidad que los expresionistas
abstractos se esforzaron tanto por no advertir en absoluto”.
Y
es que si el Arte expresionista abstracto se preocupaba por el hombre y
resaltaba sus sentimientos interiores, subrayaba la subjetividad del artista
y acababa aproximándose a los burgueses americanos… el Arte pop optó por
preocuparse por los objetos y su utilidad superficial, subrayando la
objetividad de la pieza artística y aproximándose a las clases bajas.
[2]
Como defendía WARHOL, que concluía que “cuando adquieres pop ya nunca más
puedes ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado de forma pop,
nunca más puedes ver a los Estados Unidos de la misma manera”.
[3]
Tales como propaganda publicitaria, bienes de consumo, celebridades famosas,
tiras de periódicos…
[4]
Sobre todo para las clases elitistas, que llegaron a subastar el Coca-Cola
IV por 31 millones $.
[5]
Sobre todo para las clases bajas, que vieron un arte próximo a su verdadera
realidad.
[6]
Que en su Untitled utilizó la
iconografía de la bandera de EE.UU, pero incluyendo un texto.
[7]
Autor de numerosas esculturas divertidas que decoraron las ciudades de
EE.UU.
[8]
Pudiendo adaptarse a las paredes, farolas, asfalto…
[9]
Pues hasta entonces el único tipo de arte autóctono había sido el
de los indios.
[10]
Pues, como él mismo decía, “soy partidario de un arte que debe su forma
directamente a la vida, que se tuerce y se extiende, que es pesado, macizo y
tosco, dulce y estúpido como la vida”.